Dramaturgies en dialogue: découvrir autrement les deux rives du fleuve Congo

Après une première incursion en Afrique l’année dernière, qui avait permis de voyager notamment au Burkina Faso (avec deux pièces d’Aristide Tarnagda) et au Togo (inoubliable À petites pierres de Gustave Akakpo), Dramaturgies en dialogue mettait en lumière les esthétiques complémentaires du Congo-Brazzaville et de la République démocratique du Congo.

Présenté en lecture pour la première fois à Avignon en 2013, Et les moustiques sont des fruits à pépin… de Fiston Mwanza Mujila se révèle une œuvre dense, volontiers jubilatoire, dans laquelle l’absurde et l’humour noir se côtoient avec une dextérité incontestable. On découvre une famille particulière, dans laquelle le père (Alexis Martin, véritablement en feu ce soir-là) cite Marx à tour de bras et vénère Staline, alors que la mère (Marie Michaud, qui ne se laisse pas damner le pion) réplique par des versets de la Bible. Entre les deux, un fils plus que lassé par cette constante joute verbale tente de s’extraire d’une certaine médiocrité, mais finira par devenir victime de leur cupidité.

À force d’être dégoupillés à tout propos, les mots se trouvent presque dénués de sens, posture renforcée par le transistor (rôle de soutien défendu avec brio par Dominique Leclerc) qui crache des réclames ineptes, nous entretient de la vie sexuelle des requins bleus ou diffuse de la propagande. « Paraît-il que les mots sont passibles de peine de mort. » Impossible ici de ne pas évoquer Gauvreau, même si les univers apparaissent plus complémentaires que gémellaires, notamment grâce à l’introduction dans la pièce de Mwanza Mujila d’un deuxième dialogue de sourds, cette fois entre le chœur des Créatures de merde (incarné avec conviction par Christiane Pasquier) et celui des Politiciens et officiers du 32^e jour (Jean-François Blanchard, lui aussi impeccable). Avec une verve non dénuée d’une réelle poésie, Mwanza Mujila pose un regard critique, mais néanmoins tendre, sur son pays qui peine à s’accepter.

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Le poème est...

« Déplacer une virgule change le poème. Le genre est un bon terreau pour la névrose de la perfection. Je passe des éternités à ôter un mot, pour le remettre, pour l’ôter de nouveau. Finir un poème, c’est faire son deuil des variantes. » (p. 32) 

« Le poème est icône. Le poème est oiseau. Le poème est fruit. La poésie a de particulier qu’elle peut se définir par n’importe quoi, pour autant que le lecteur ait la compétence de faire parler la définition. » (p. 57)

Michael Delisle, Le feu de mon père

Sur le fil

(article rédigé dans le cadre de ma résidence de cirque en juillet)

À l’ère du numérique, de l’instantané, alors que le bombardement d’images parasite l’imaginaire, est-il encore possible de s’évader d’un quotidien souvent trop prosaïque? Quel rôle peut jouer le cirque? Doit-il simplement divertir, éblouir? Un fil narratif est-il nécessaire – ou même souhaitable? Si oui, doit-on nécessairement y superposer, en deuxième narration, de façon presque insidieuse, une trame sonore? Chaque compagnie avancera des réponses différentes à ces questions, autant d’approches complémentaires qui rejoindront le spectateur à plus d’un niveau.

Une syntaxe en évolution

Comme ses influences directes ou indirectes – les jeux antiques romains, les bateleurs et les troubadours du Moyen Âge –, les premières représentations de cirque de Philip Astley ne s’appuyaient pas sur une narrativité linéaire pour rejoindre le public. Si pantomimes et numéros de voltige se liaient aux numéros équestres, il ne s’agissait pas ici de raconter une histoire, mais bien de mettre sur pied une soirée équilibrée, qui mettrait en lumière les prouesses des artistes, mais surtout créerait un certain niveau d’attente et de fascination. Porté par les roulements de tambour ou une diatribe, le badaud veut être confronté à l’inusité. Quand, un demi-siècle plus tard, on choisit d’ajouter le domptage des animaux et des pantomimes à grand déploiement – par exemple « Les lions de Myore », segment mis sur pied en 1831 par les frères Franconi pour Henri Martin –, on continuera de privilégier un discours fragmenté, ponctué d’une série d’apex successifs, habilement calibrés.

Dans les années 1970, le cirque s’essouffle. Peut-être était-il nécessaire qu’il passe à deux doigts de devenir obsolète pour connaître une véritable renaissance avec le nouveau cirque, mais aussi la mise sur pied d’écoles agréées et l’appropriation de la forme par les artistes du monde de théâtre, permettant l’exploration de nouvelles dramaturgies. Les prouesses sont remplacées par un discours cohérent et une conceptualisation du propos. Un certain réalisme et une réflexion sociale sont incorporés aux productions, ainsi qu’une ligne narrative servant de guide.

Si l’on préfère aujourd’hui parler de cirque contemporain ou « de création », il faut surtout remarquer combien les frontières entre les genres deviennent floues, le spectacle de cirque ressemblant très souvent à la performance, au cabaret ou à la danse contemporaine.

Small Talk: les mots pour le dire

Après avoir traité des manifestations de la place Tiananmen dans Je pense à Yu, Carole Fréchette aborde un univers entièrement différent avec Small Talk, créée cet été à Bussang (dans les Vosges) par le Théâtre du Peuple.

Deux contraintes pour la dramaturge : écrire une pièce pour de nombreux personnages (plus d’une vingtaine de rôles secondaires, le théâtre réunissant sur scène acteurs amateurs et professionnels) et la nécessité que celle-ci se termine à l’extérieur, le mur du fond de ce théâtre  s’ouvrant sur la forêt. Une telle commande aurait pu crisper le style d’un auteur, mais c’est sans compter la maîtrise de l’intrigue et du langage de Carole Fréchette.

Small Talk traite d’incommunicabilité – ou du moins de la difficulté que plusieurs ressentent à communiquer. Dépassée par les codes les plus élémentaires de la conversation badine, Justine peine à échanger avec ses collègues de bureau aussi bien qu’avec des inconnus. « Je suis pas timide, je sais pas ce qu’il faut dire. C’est pas la même chose », répètera-t-elle à plusieurs reprises. Consciente de sa difficulté à s’intégrer, de sa propension au soliloque, elle suit des cours de conversation en ligne, assiste à des ateliers. « Moi, je veux m’incorporer, comme les œufs, jusqu’à ce que la pâte soit lisse et sans grumeaux », expliquera-t-elle à Reine, sa mère.

Vous pouvez lire le reste de ma critique sur le site de Jeu...

Cette lecture était présentée dans le cadre de Dramaturgies en dialogue, qui se tient jusqu'à mercredi prochain inclusivement. Aucun doute, ça sent la rentrée culturelle!

Forêt contraire

J'avais beaucoup aimé La poupée de Kokoschka, premier roman d'Hélène Frédérick repris au printemps chez Héliotrope, attendais que son second, Forêt contraire, croise ma route (ou la recroise, car je l'ai manipulé plusieurs fois en librairie avant de céder).


À première vue, on pourrait avoir l'impression que les deux titres n'ont rien à voir et pourtant. Plus on avance dans Forêt contraire et plus on réalise que ces deux titres ne pouvaient qu'avoir été écrits par une même auteure, à la voix identifiable. Ils traitent tous les deux à un niveau ou à un autre d'identité (celle que l'on se forge soi-même), de féminité (prolongement direct de la réflexion sur l'identité), mais aussi de jeux de masque. Alors que, dans La poupée de Kokoschka, la costumière de théâtre Hermine entretient un curieux chassé-croisé avec le peintre Oska Kokoschka à travers des lettres volontiers ambiguës, dans Forêt contraire, la narratrice (dont on ne saura jamais le vrai nom) tentera d'articuler son passé autrement, notamment à travers des séances de jeu masqué (ici aussi, aux contours parfois flous) avec André, son voisin dans la forêt d'Inverness, jadis comédien, bienfaiteur aux motifs pas toujours désintéressés.

« Je pense aux hommes et aux femmes exigus, tiens, aux obtus, aux sans-angles, aux œillères, aux gens lisses, aux fantômes, aux absents dont il est si difficile de se défaire parce qu’ils ont pris les contours impalpables d’un nuage, les vaporeux, donc, ceux qui n’offrent aucune prise. »

L'écriture d'Hélène Frédérick s'est certes affinée. Alors que son premier roman (peut-être par sa nature biographique) misait sur certaines ruptures de ton (qui demandait au lecteur de s'accrocher), ici, tout semble étrangement fluide, naturel, organique même. De la même façon que l'on découvrirait une forêt inconnue, en étapes, on entre dans la psyché de celle qui deviendra Sophie (prénom que lui donnera André) d'abord avec réserve, puis mû par une réelle volonté de mieux comprendre cette jeune femme de 28 ans, entretenant un fascinant dialogue entre celle (ou celles?) qu'elle était avant, alors qu'elle accumulait les contrats peu payants à Paris.

« J’essaie de ne pas trop penser à elle – ce moi du passé. Oublier qu’on nous résume, partout tout le temps, à a des colonnes de chiffres et à leurs résultats. »

Sans doute parce qu'elle est elle-même déracinée (née au Québec, elle vit à Paris), l'auteure sait transmettre cette impression troublante de ne plus appartenir ni au sol natal sans jamais avoir pu entièrement s'enraciner dans le terreau adoptif. Elle possède surtout ce petit je ne sais quoi qui lui permet d'établir une complicité réelle avec le lecteur. Je continuerai assurément de la lire.

« Ce n’est pas le cœur c’est Je qui bat, je bats à petits coups réguliers, et je m’interroge : qu’arrive-t-on à glisser de si puissant dans un personnage fictif qu’il se mette à susciter en nous un désir de chair? On manipule l’argile de l’absence depuis si longtemps qu’on en obtient les formes d’un homme s’agitant, changeant, plus vivant qu’un homme. » 

En complément, une très belle entrevue de Guylaine Massoutre avec l'auteure, parue dans Le Devoir en mars dernier.

Saccades

Onze nouvelles, onze destins. Autant de personnages que l’on croise au moment où tout bascule, à cette seconde précise où on pourra ensuite dire qu’il y a eu un « avant » et un « après ». Que celui-ci donne les résultats escomptés importe peu au fond. Il faut savoir saisir l’instant de déséquilibre pour ce qu’il est, un synonyme de mouvement, qui peut mener aussi bien à l’effondrement qu’à une libération.

D’entrée de jeu, la table est mise. Avec « Le sacrifice », on passe en quelques lignes de l’autre côté du décor, dans la tête d’un cuisinier excentrique qui cherche « la » recette, « le » concept qui lui permettra de clouer le bec à tous ceux qui auraient pu douter de lui. La chute s’avérera fatale. Difficile ensuite de ne pas se crisper en lisant « Le cinquième commandement », une micronouvelle d’une rare puissance qui réussit à jeter un regard différent sur un sujet que l’on croyait épuisé. Après ces coups de massue, « Ménage à trois » fera presque sourire, parce que l’on comprend dès le départ que la situation condamnée d’avance.

L’enfance est au cœur de nombreuses nouvelles de Saccades : « Le cinquième commandement », « Luc-sur-mer » (dans laquelle l’eau n’apporte aucun réconfort), « Vertige » (sise dans une église), « Chez les loups » (cruelle relecture du Petit chaperon rouge), « Salut, La Saline » (peut-être la plus délicate du lot). Pourtant, chez Maude Poissant, il n’est jamais question d’une enfance aux couleurs pastelles. L’ombre reste indissociable la lumière, l’innocence condamnée dès le début sans doute à être perdue. On grandit par à-coups, on comprend par soubresauts, qu’on l’accepte ou non.

Même si les onze personnages ne se seraient vraisemblablement jamais croisés dans un monde « réel », il faut admettre que l’auteure a réussi à unifier de façon presque souterraine ce recueil. On reconnaît déjà un ton, une marque de fabrique, mais surtout un souffle, que les phrases se résument à quelques mots ou deviennent paragraphe entier. Une voix qui continue de hanter l’imaginaire, plusieurs semaines après que le livre aura été refermé.  

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Save me

Parfois, il faut admirer la folie créatrice et l'utilisation intelligente de la technologie. Tourné en un seul plan-séquence (chapeau aux enfants, impeccables!), puis animé grâce à sept projecteurs numériques, le dernier vidéo d'Irma est soufflant.

Et puis, alors que l'automne semble (déjà) installé, que les annonces de décès se multiplient, on a envie de vouloir s'extraire de la réalité quelques instants, non?


IRMA / Save me from SUPERBIEN on Vimeo.

Saccades recrue du mois d'août

La nouvelle. Un genre pratiqué par nombre d’auteurs anglophones et hispanophones, mais malheureusement trop souvent boudé par les francophones. Alors que plusieurs magazines américains (même de mode!) en intègrent une (souvent signée par des auteurs prestigieux) à chaque numéro, que certains éditeurs sud-américains publient des recueils se classant au sommet des palmarès des ventes, difficile pour les auteurs d’ici de faire leur marque. Et pourtant, la nouvelle n’est-elle pas parfaite pour ce 21^e siècle où tout se déroule à vitesse grand V, que les gens ne disposent plus que de quelques minutes de lecture, dans les transports en commun ou avant de sombrer dans le sommeil?

Nous avons souhaité avec ce numéro vous démontrer la vitalité de la forme. Outre la Recrue de ce mois-ci, Saccades de Maude Poissant, qui met en scène onze univers en apparence à des lieues les uns des autres, nous vous proposons non pas un, mais trois recueils en repêchage : Quand j’étais l’Amérique d’Elsa Pépin, Les yeux de la nation de Jean-François Aubé et Les faits divers n’existent pas de Martine Latulippe, premier opus pour adultes de cette prolifique auteure jeunesse.

« La nouvelle est un genre qui m’a permis une grande liberté d’écriture malgré certaines contraintes de brièveté; que ce soit en ce qui a trait aux thématiques, à la narration, à la forme, il me semblait que tout était permis. Mais j’ai dû, à un moment, me questionner sur la cohérence interne du recueil et considérer mes textes épars comme faisant partie d’un tout », nous confie Maude Poissant dans le questionnaire. En effet, en dépit de ce que plusieurs pourraient en penser, un recueil devrait posséder cette petite musique si particulière, unique, que l’on choisisse de lire une seule histoire avant de dormir ou que l’on choisisse de s’évader avec un auteur pendant quelques heures.

Deux autres repêchages complètent ce numéro, renvoyant à des événements historiques. Guano revisite une page méconnue de l’histoire du 19^e siècle et nous transporte au Pérou pendant la guerre hispano-sur-américaine. Notre collaboratrice Marion Transetti, à qui je souhaite la plus chaleureuse bienvenue, en parle comme d’une « immersion totale », d’une espèce de « Dolby Surround de la littérature ». Le dernier jour d’Adolf propose quant à lui un voyage dans le temps. Et si un tireur d’élite avait pu éliminer en 1942 Hitler, le cours de l’histoire en aurait-il été modifié?

Autant de livres que vous voudrez peut-être glisser dans votre sac de plage ou garder près de vous lors d’un après-midi paresseux en terrasse. 

Pour lire le numéro courant de La Recrue, c'est ici...

Bleu

« Elle me désarme. Elle crache mes mains, mes doigts, elle me répond en hiéroglyphes sur le sable. La mer sculpte ses images à même ses bras de vagues. J’ignorais la simplicité. Il n’y a que les humains pour émettre des mots et trébucher sur leur langue. Mouvement de flux et de reflux. »

Comme Orane, son alter ego dans Bleu, Myriam Caron voue une passion à la mer et au surf boréal, discipline exigeante qui commence à rallier de plus en plus d'adeptes, prêts à braver les vagues, hiver comme été, au large de la Côte-Nord. Elle s'en sert ici pour nous livrer des scènes particulièrement spectaculaires, qui laissent souvent le lecteur pantois - sinon transi.

On s'attache rapidement à ce personnage de jeune femme en reconstruction, qui après avoir tenté pendant des années de dompter son « chien galeux », amoureux inconstant qui n'aura jamais pu s'adapter à cette nouvelle vie, se concentre maintenant sur l'éducation de son fils quand elle ne fend pas les vagues avec des amis ou est à la recherche de l'ambre qui lui permettra de créer son parfum de rêve. 

C'est indéniablement quand Myriam Caron décrit la mer qu'elle démontre la puissance de son écriture. Personnage à part entière du récit (certains chapitres sont d'ailleurs écrits d'après son point de vue, choix qui déstabilise d'abord, mais qui finit par convaincre), elle console, détruit, charrie des souvenirs du passé, propose des voies pour s'affranchir des blessures. L'écriture volontiers sensuelle de Caron séduit, mise sur les sensations, brouille les frontières entre rêve et réalité, journal intime et conte initiatique. Rarement aura-t-on lu un plus touchant ode d'amour à la Côte-Nord, à son côté sauvage, à son histoire féconde. En refermant le livre, on aimerait croire son avenir moins incertain.

Demain, j'achète un livre québécois

Belle initiative que celle des auteurs québécois Patrice Cazeault et Amélie Dubé. Comme ils l'expliquent dans l'énoncé de leur mission sur la page FB de l'événement, 

 « Une amie auteure m'a récemment fait remarquer qu'il serait facile de dynamiser le marché du livre québécois. On lit partout que la situation est précaire, que les éditeurs en arrachent et que les auteurs ne vendent plus. Facile, me confie mon amie, on n'a qu'à acheter plus de livres! 
Oh, si ce n'est que ça! Réglons le problème maintenant!
Donc, le 12 août, je me déplace chez mon libraire préféré et j'achète un livre québécois. Si je ne trouve pas celui que je veux? Je le commande. S'ils ne peuvent pas me le commander? Je fais une crise. Ou je l'achète en numérique, tiens. »

Je serai assurément chez Olivieri (comme si j'avais besoin d'une raison pour y faire un tour!), ma librairie indépendante préférée. Aucune crise potentielle à craindre. Qu'en rapporterai-je? Là est la question...

Mon amie Venise parle fort bien de l'événement ici...

Marchez pour Gaza

Départ de la marche: place Émilie-Gamelin, midi, demain.

Correspondances d'Eastman

Le populaire événement amorce sa 12e édition cet après-midi, 14 h, par un café littéraire sur le thème « Journal et autofiction: l'intime et l'écriture de soi ». Louise Portal, Éric Simard, Lynda Dion et Claire Legendre échangeront avec Catherine Voyer-Léger à la Terrasse Québecor. J'y serai.

Après l'ouverture officielle, en présence des porte-parole Kim Thùy et Michèle Plomer, alors que seront lus les textes primés du concours de slam-poésie des élèves de l'école Val-de-Grâce, vous aurez le temps de vous promener un peu sur le site avant le spectacle d'ouverture, mettant en vedette Ariane Moffat. Une rencontre avec Tristan Malavoy-Racine suivra la représentation. 

Pour consulter la programmation complète...

Cirkus Cirkör

Depuis ma résidence en cirque, je fais souvent des rêves qui y sont liés. Autant de spectacles qui n'existent que dans ma tête, dont je me rappelle parfois quelques bribes le matin venu. Quand je suis éveillée, je préfère découvrir d'autres univers, tout aussi oniriques, comme ceux de deux spectacles récents de la compagnie suédoise Cirkus Cirkör.

Comment résister à l'imagerie si particulière du spectacle Wear it like a crown, d'après l'envoûtante chanson éponyme de la Norvégienne Rebekka Karijord?
Impossible aussi de ne pas vouloir réserver un avion (ils seront à Velaux et à La Haye en octobre) pour aller voir Knitting Peace.

Till Fellner: un véritable artiste

Till Fellner a offert hier soir un récital exceptionnel aux festivaliers d'Orford, confirmant la richesse de sa palette sonore, sa profonde compréhension des textes interprétés et une indéniable maîtrise de l'architecture. Chez lui, aucun accent incongru, aucune phrase qui n'ait été décortiquée pour que l'auditeur puisse en comprendre la prosodie, aucun manque de souffle. Chaque note est à sa place, sans pour autant que l'on ressente une quelconque impression d'artifice, de contrôle abusif. La musique respire, parle, agit.

On retiendra particulièrement les Davidsbündlertanze de Schumann proposées en deuxième partie de concert, que l'on souhaiterait gravées très bientôt par le pianiste autrichien. Alors que des centaines d'autres se cassent les doigts sur ces miniatures, Fellner a compris d'emblée la galerie de personnages que Schumann a établie, sans jamais oublier l'élément dansant inhérent au titre. Chaque mouvement possède un caractère distinct, unique, qui va bien au-delà de la catégorisation Eusebius et Florestan,  la verticalité de l'écriture se liant tout naturellement à l'horizontalité des mélodies d'une grande richesse. Le piano que l'on avait pu croire limité dans le Mozart proposé en début de concert se déploie cette fois avec une rare élégance, chaque angle ayant été attentivement limé, chaque phrase menée à  son apex, rendant le tout parfaitement compréhensible. L'écoute particulièrement attentive du public, les quelques soupirs qui ont souligné certaines pages particulièrement réussies, témoignaient de la maîtrise avec laquelle Fellner transmettait les moindres détails de la partition.

Fellner a proposé il y a quelques années aux mélomanes une intégrale remarquée du premier cahier du Clavier bien tempéré de Bach. On attendait donc avec une certaine impatience les quatre extraits du deuxième livre (qu'il se propose d'enregistrer sous peu). La définition des voix et l'intelligence du texte demeurent indéniables. Il a ainsi offert un cinquième prélude éclatant, un sixième prélude et fugue d'anthologie et une grande subtilité dans le huitième couplage.

La Sonate de Haydn Hob. XVI: 37, en ré majeur, s'inscrivait parfaitement dans la continuité des pages de Bach proposées. Le mouvement lent, en ré mineur, se lisait presque comme une extension de la fugue dans la même tonalité, alors que le premier mouvement, pris presque presto (sans qu'aucune note n'ait été échappée), allait appuyer la couleur éclatante du cinquième prélude. Sous les doigts de Fellner, le rondo est devenu presque orchestral, chaque couplet étant sculpté avec attention, autant d'instants parfaits qui ouvraient la voie au Schumann qui suivrait.

Première pièce au programme, le Rondo en la mineur de Mozart ne m'a pas semblé ajouter quoi que ce soit au propos. Pris à  un tempo un iota sous ce qui aurait permis aux phrases de respirer naturellement, la page devenait étrangement fade, plus verticale que lyrique, dissertation plutôt que confidence. Les derniers instants du Schumann s'étaient révélés si parfaits qu'un rappel semblait inutile. Généreux, Fellner a néanmoins offert un très beau « Lac de Wallendstadt ». tiré des Années de pèlerinage de Liszt.

Quelques notes périphériques en terminant. Je n'étais pas retournée à Orford depuis la rénovation de la salle. Difficile de juxtaposer le confort indéniable et l'acoustique calibrée d'hier soir avec les souvenirs de concerts parfois douloureux pour le postérieur, avec coulisses apparentes, humidité ambiante (et parfois moustiques à l'avenant). Chapeau, même si on aurait peut-être souhaité qu'un certain élément de rusticité ait été retenu dans la décoration. Belle idée de rappeler au public que le Festival d'Orford est avant tout une académie musicale de haut niveau et de faire faire entendre des étudiants. Je pense que ceux-ci - et le public - seraient mieux servis si on proposait un véritable pré-concert (à 19 h 30 peut-être), dans la rotonde plutôt que dans la salle.

Opus de C!rca

Quand la musique de Chostakovitch, interprétée en direct par les membres du réputé Quatuor Debussy, se mêle aux prouesses de 14 acrobates de la compagnie australienne C!rca, cela donne quelque chose d'assez magique, il faut l'admettre...

Le spectacle a été créé l'année dernière aux Nuits de Fourvière de Lyon...