Petites morts et autres contrariétés

Parfois, certaines rencontres relèvent du hasard. J'étais à la Bibliothèque nationale de passage et en suis sortie avec deux livres à sous-texte musical (aucune surprise ici) et celui-ci, habilement positionné dans le présentoir de nouveautés. Je ne connaissais pas l'auteur, mais ai trouvé audacieux le choix de réunir des nouvelles (de quelques lignes à peine à plusieurs pages pour d'autres) sous le thème des morts, pas seulement celle qui implique de couper le fil de la vie mais aussi quand on l'utilise comme synonyme de fin d'une époque, d'un rêve, d'une désillusion.

Le ton est volontiers caustique, mais empreint d'un humour certain et non dénué à l'occasion de tendresse. Certains de ces destins particuliers dessinés à traits habiles continueront de me hanter. Impossible d'oublier cet auteur désabusé prêt à tout pour relancer sa carrière (même à planifier dans les moindres détails son enlèvement par une bande de terroristes), le froid dans le dos à la lecture de Le dixième (qui s'inspire d'un fait vécu alors que, pendant la Deuxième guerre mondiale, on avait puni des rébellions de régiments en les décimant littéralement), le destin tragico-comique de Monsieur Public, le regard décapant que l'auteur pose sur ceux qui évitent les mendiants dans Terminus, l'intrigante relecture du Monday Night Football ou le poétique et inspiré In memoriam Isodora.

Sur le bord de l'overdose

Je ne suis pas certaine que je veuille additionner le nombre de minutes de répertoire de piano entendues au cours des derniers jours. Déjà, hier, avec huit récitals complets, pas facile de maintenir l'attention sans faillir, surtout quand le pianiste ne séduit pas. (Vous pouvez me lire mon compte rendu détaillé ici...)

On connait maintenant le nom des six finalistes: Henry Kramer (le jury a décidé de lui donner une autre chance et j'ai hâte d'entendre ce qu'il en fera dans le Concerto de Ravel), Beatrice Rana (une vraie personnalité), Zheeyoung Moon (j'ai entendu de très belles choses chez elle), Lindsay Garritson (une pianiste solide qui pourrait venir brouiller les cartes), Yulia Chaplina (une vraie sonorité à la russe) et Jong Ho Won (quel Scriabine hier soir! Je suis encore sous le choc...)

Que recherche donc le jury? J'ai posé la question à deux de ses membres, Jean-Philippe Collard et Arnaldo Cohen. On peut lire l'article ici, en page 22 du numéro de mai de La Scena Musicale. Ces deux pianistes donneront d'ailleurs des cours de maître (gratuits) cet après-midi et ce soir. Une façon de les découvrir autrement...

L'amateur de musique

Mon cœur bat au rythme du Concours Musical International de Montréal (pour me lire sur le sujet, c'est ici...). L'avantage de ces nombreux allers-retours? Du temps pour lire dans les transports en commun, bien sûr!

Quelques citations à partager ici de L'Amateur de musique de Gilles Marcotte...

« Soixante ans après sa création, le premier Wozzeck s'éloigne, et à beaucoup d'auteurs il sera de plus en plus nécessaire, pour le retrouver, de traverser une couche d'habitudes, de complaisances. Le moment où une oeuvre passe à la postérité a toujours quelque chose de profondément mélancolique. »

On peut dire cela de plusieurs autres incontournables du répertoire, quand on y repense...

« Telle est un des bienfaits les plus incontestables de la nouvelle musique: elle nous avertit que rien n'est jamais définitivement acquis, et que la musique se construit sans cesse à l'écart non seulement de l'habitude, mais aussi de la pure nature. »

Tous ceux qui ne jurent que par les symphonies de Beethoven et rien d'autre devraient la méditer, celle-là... Et, en terminant, je reprends sa citation de Stendhal, parce qu'elle elle tirée des propos de ce dernier au sujet de Mozart, mein Mann.

« Rossini amuse toujours, écrit Stendhal, Mozart n'amuse jamais; c'est comme une maîtresse sérieuse et souvent triste, mais qu'on aime davantage, précisément à cause de sa tristesse; ces femmes-là, ou manquent tout à fait de faire effet, et passent sous le nom de prudes, ou, si elles touchent une fois, font une impression profonde et s'emparent de l'âme tout entière et pour toujours. »

Martel en tête

Où est la frontière entre la folie ordinaire et celle qui ravage tout sur son passage, qui gruge de l'intérieur, qui fait que celui qui en est atteint veut détruire ce et ceux qui l'entourent? Les médias nous abreuvent presque quotidiennement des détails glauques de l'affaire Guy Turcotte, mais j'évite soigneusement de m'y plonger. Pourtant, par un curieux hasard (mais y a-t-il des hasards?), j'ai extrait de ma PAL Martel en tête, premier roman d'Éric Simard, titre malheureusement aujourd'hui épuisé.

Dans ce roman, au rythme implacable, qui tient par moments du poème en prose et à d'autres de l'ostinato envahissant, le lecteur butant inlassablement sur certains termes, se trouvant freiné dans sa lecture par une scission des phrases, on plonge dans la tête de la narratrice, de sa naissance à sa mort, chacun des courts chapitres étant consacré à une année de son existence. Malaise latent dès la naissance ou presque, sévices physiques et psychologiques, inceste: éléments déclencheurs de cette folie meurtrière qui envahit, finit par définir cette femme? Simples périphériques? Impossible de le savoir et, à dire vrai, grâce à l'adresse avec laquelle le roman est mené, la réponse importe peu. On vit plutôt de l'intérieur les pulsions, les doutes, on découvre les moyens que ce cerveau fragile utilise pour se protéger de la vérité. Comme les intervenants peut-être, on voudrait pouvoir aider cette détresse, tout en réalisant que, même outillés correctement, nous serions vraisemblablement incapables de le faire. Peut-on traiter des troubles psychiatriques aigus, peut-on reprogrammer un inconscient? Pour une réussite, combien d'échecs?

Éric Simard ne tranche pas ici et c'est ce qui fait la grande force de ce livre. Il se veut témoin, parole, nous entraîne dans des profondeurs que nous souhaiterions peut-être vouloir ignorer. « On ne se remet jamais de la déception de soi, pas plus que d'un séjour à l'asile. On y entre, mais on n'en sort jamais. » (p. 87)

Leslie Muller ou le principe d'incertitude

Belle surprise de mon week-end de lecture (je continue de lire à petites doses L'amateur de musique, une série d'articles parus dans Liberté à la fin des années 1980 début des années 1990): Leslie Muller ou le principe d'incertitude, qui trace un portrait saisissant d'un univers très rarement évoqué au roman: celui de militants engagés en Amérique centrale au début des années 1980.

« Dans la forêt, couchée sur la terre d’un monde que je ne reconnaissais plus, dans une réalité qui me hurlait cruellement mes mots anciens, alors innocents et naïf, étaient mortes comme autant d’idéaux mes phrases aux lettres devenues chair déchiquetée. » (p. 70) 

Les lieux et les époques s'emmêlent, en une trame narrative non linéaire, pourtant habilement tissée par Lynn Diamond. Il y est question d'idéaux bien sûr, mais aussi de choix parfois difficiles à assumer, d'amours troubles mais essentielles, de liens amicaux qui se distendent parfois sans jamais se rompre, du temps qui passe et nous pousse aux questionnements.

« En signant le registre, je remarquai un léger froissement sur la peau fine de ma main, et pour la première fois, je compris dans ma chair la durée éphémère de la jeunesse, aucun mouvement, seulement une pensée fugitive et triste. Mon corps changeait peu à peu d’identité, s’apprêtait à revêtir le vêtement de l’âge qui désormais me cacherait aux autres, et si je n’y prenais garde, peut-être aussi à moi-même. » (p. 174-175)

Le récit est parsemé de références aux romans Au-dessous du volcan de Malcolm Lowry (qui manque à ma culture), Le vieux qui lisait des romans d'amour de Luis Sepulveda (la parenté entre les deux couvertures ne peut d'ailleurs relever du hasard) et du Loup des steppes d'Hermann Hesse (encore très frais dans ma mémoire).

Le style demeure des plus maîtrisés et jamais on ne sent que ce dernier envahit l'espace narratif. On accepte sans hésitation de se plier au rythme particulier de celle qui a déjà été surnommée « la chercheuse d'âme », de devenir témoin de ce voyage intérieur, dont ni personnages ni lecteur ne sortiront totalement indemnes.

CMIM: quart de finale cet après-midi

Les jours fériés nous permettent parfois (heureusement!) de reprendre notre souffle et de laisser le temps se dissiper au gré des inspirations, entre courses à faire, gestes printaniers et quelques rares rendez-vous. Cela m'a permis également de faire le plein avant le blitz des prochains jours qui s'amorce, puisque je vivrai en partie au rythme du Concours Musical International de Montréal, consacré cette année au piano. Je vous invite d'ailleurs à me suivre sur une base quasi quotidienne sur le blogue d'Analekta si le concours vous intéresse et vous rappelle que vous pouvez suivre le tout en direct en ligne.

Tag de 7

Cela faisait longtemps que je n'avais été taguée mais bon, n'est-ce pas, je n'étais pas sans ignorer que le fameux Tag de 7 sévissait ces jours-ci sur le Net. Comme il fait beau, que c'est un long week-end ici, et que c'est cette cher Kikine qui m'a taguée, j'obtempère. C'est bien parce que c'est toi, Kikine, hein?

1- Remercier la personne qui vous a donné ce prix.

Merci Kikine... et, non, cela n'entachera aucunement notre amitié. (Te voilà rassurée, si?)

2- Mettre le logo sur votre blog.







3- Mettre le lien vers la personne qui vous l'a envoyé.
Suivez le jeu, c'est fait en 1.

4- Dévoiler 7 choses sur nous.

Hum, sept d'un coup, comme dans Le vaillant petit tailleur, quoi... Bon, allez, je me lance...

1- On devrait m'élever un autel en tant que reine de la maladresse. Si, si, j'insiste, Kikine n'est sans aucun doute qu'une vague amatrice à côté de moi. Dernière preuve en date, cette semaine. Entre deux cours, j'ai enjambé la barrière du chien (ceux qui me connaissent se rappelleront que mes jambes sont très longues et que, donc, la chose devrait être assez aisée, surtout que la barrière fait à peine 1/2 mètre de haut). En franchissant la chose, j'ai réussi à me coincer la pantoufle dans le prélart qui retrousse pile à cet endroit (il faut que je règle le problème pendant le week-end), la barrière est donc sortie de ses points d'appui, m'est rentrée dans la cuisse, et je suis tombée, avec beaucoup de grâce (hum!), devant témoins (trois de mes élèves, leur petite sœur et la mère!) sur le côté gauche de ma mâchoire. Ma lèvre ressemblait à celle d'un boxeur en quelques secondes. J'ai passé le reste de la soirée d'enseignement à tamponner d'un sac de glaçons tantôt ma lèvre (qui n'a pas gonflé au final, ouf) et ma cuisse. Le lendemain matin, j'examine la situation de ma cuisse: deux lignes de peau arrachée et un vague bleu. Pfff! presque rien, sauf l'élancement. Le soir, par contre, quand j'ai retiré mon jean, j'ai constaté que le bleu faisait alors plus de 15 cm de diamètre (sans blague, j'ai sorti la règle, après avoir poussé un léger cri quand même!). C'est vraiment de toute beauté, je vous assure. On oublie les shorts et la mini-jupe pour quelque temps, disons... Évidemment, pour une fois, ils annoncent potable!

2- J'ai pris des leçons de violoncelle alors que j'avais 16 ans. J'ai toujours adoré le son de l'instrument, mais avais beaucoup (trop) de difficulté à repartir à zéro. Je préférais nettement travailler 3 heures de piano que 20 minutes de violoncelle. J'ai donc abandonné les cours après un an et quelque mais continue de beaucoup aimer l'instrument et suis ravie quand je peux accompagner une sonate pour l'instrument.

3- J'ai joué au soccer dans une équipe féminine adulte pendant plusieurs années. Je déteste le jogging, mais courir après un ballon, ça, je peux. En plus, le soccer est le sport parfait pour les pianistes, puisqu'il est interdit (sauf quand on est gardien de but, position que j'ai toujours refusé d'occuper) d'y toucher avec les mains.

4- Comme Kikine, je déteste perdre du temps le matin et me transformer « en fille ». Inutile de pouvoir considérer mater mes cheveux (je ne crois pas aux miracles) et le maquillage, à quoi ça sert? Je suis et reste un garçon manqué, sauf quand je décide de jouer le grand jeu et d'y aller pour la totale. Là, en général, les gens ne me reconnaissent pas! Lors d'une fête il y a quelques mois, une copine a pensé que c'était ma sœur (je n'en ai pas) qui avait répondu à son coup de sonnette en me découvrant en femme fatale.

5- Je n'aime pas trop le shopping (sauf en librairie) mais craque depuis moins d'un an pour les chaussures John Fluevog, faites au Canada depuis 40 ans, de façon écoresponsable et qui ont une pêche d'enfer. J'en possède maintenant trois paires, dont une, le modèle Operetta Viardot, avec des notes de musique sous la semelle. Oui, je m'assume!

6- Je déteste les spectacles d'humoristes et ne comprends absolument pas pourquoi ils remplissent leurs salles sans faire aucun effort. Je ne suis pas dénuée d'humour (du moins j'espère), mais de rire grassement avec 2000 autres, le concept me dépasse.

7- J'adore la crème glacée et peux en manger été comme hiver sans hésitation. C'est sans doute la faute de ma mère qui, enceinte de moi, en mangeait tous les jours ou presque semble-t-il.


5- Nommer 7 blogs qui devront faire comme vous…
Ouf, tout le monde a déjà répondu non?
J'ose peut-être taguer Venise, Adrienne, No, Caro_Carito et Jules. Oui, je sais compter, ça ne fait pas sept. Peu importe. Ceux qui souhaiteraient se réapproprier ce tag sont tous les bienvenus.

6- Mettre le lien des 7 blogs.
C'est fait.

7- Prévenir les personnes concernées…
Je vous aime tous quand même, hein?

Beethoven...

« Si l'on veut mener une vie ordinaire, mieux vaut se tenir à l'écart de la beauté; sinon, par contraste, on aperçoit sa médiocrité, on mesure sa nullité. Écouter du Beethoven, c'est chausser les sandales d'un génie et se rendre compte qu'on n'a pas la même pointure. »

Eric-Emmanuel Schimitt, Kiki van Beethoven

J'ai trouvé l'essai sur Beethoven décevant et un peu bâclé (surtout par rapport à celui sur Mozart), le Kiki van Beethoven un peu trop fleur bleue, mais il y a quand même quelques jolies citations sur le compositeur.

Libérer le chant

Soirée de fête, samedi soir, alors que la compagnie de création Chants Libres célébrait ses 20 ans. J'avais hâte de découvrir les premières productions, de réentendre les plus récentes et de me replonger dans l'univers féerique de l'unique opéra de Gilles Tremblay, présenté en novembre 2009. J'étais curieuse de découvrir comment la directrice artistique Pauline Vaillancourt réussirait à transmettre en une scène ou deux l'essence même d'une œuvre scénique appréciée jusque-là dans son entièreté. Je m'interrogeais également: « Certaines productions auraient-elles mal vieilli? » Quand on travaille avec des œuvres dont l'encre est à peine sèche, pas toujours facile de juger de leur pertinence dans 5, 10 ou 20 ans. Après moins d'une demi-heure, la réponse était pour moi limpide. En effet, non seulement les opéras se tenaient-ils encore tous musicalement, admirablement défendus par des voix à la fois puissantes et souples, leurs esthétiques (costumes, éléments scéniques, utilisation de projections), même si forcément multiples, n'avaient pas pris une seule ride. Je repense ici aux spectaculaires robes/sculptures de Le vampire et la nymphomane et Yo soy la desintegracion (photo), aux installations vidéo de L'Archange ou à l'ambiance explosive d'Alternate Visions.

Aucune faiblesse à signaler chez les interprètes, dont on pourrait saluer chacune des interventions ou presque. Je retiendrai la remarquable présence scénique de Stéphanie Lessard, qui nous a offert une diva plus grande que nature, tantôt grandiloquente, tantôt fragile dans Ne blâmez jamais les bédouins, la polyvalence d'Éthel Guéret qui a su incarner une Princesse blanche toute en subtilité et une Lulu (Lulu, le chant souterrain) troublée et troublante, sans oublier une Marie-Annick Béliveau au sommet de son art dans les exigeants Chants du capricorne (photo), devenus envoûtement pur.

Je suis ressortie du Monument-National avec des images se bousculant, certaines phrases ou appropriations du langage hantant mes oreilles, des questionnements - de ceux, essentiels, qui font avancer les choses - plein la tête et un seul regret: ne pas avoir vu jadis toutes ces productions dans leur intégralité. Aucun doute dans mon esprit: je serai en salle en mai 2012 pour la création d'Alexandra, opéra de chambre de Zack Settel et Yan Muckle, inspiré du destin d'Alexandra David-Néel.

En périphérie de cet anniversaire, un livre magnifique, qui présente documents d'archives, photos et genèse de chaque opéra présenté, a été lancé, au coût très modique de 20 $. Il serait futile de s'en priver.

La dévorante

Avec son format unique et sa couverture onirique, l’objet lui-même attire, intrigue, semble exiger un rapport presque intime. En plongeant dans le texte lui-même, le lecteur réalise en quelques lignes que Lynda Dion a refusé avec ce premier roman la voie de la facilité, geste louable en cette époque de produits préformatés.

L’auteure balaie assez habilement du revers de la main signes de ponctuation et majuscules, nous forçant à adopter un autre rythme de lecture, à nous glisser dans son souffle, à jouer selon ses règles, à intégrer une certaine oralité au mouvement des yeux sur la page. « à pleine bouche j’ouvre je laisse entrer j’avale la salive la sueur le sperme les promesses parfois les miettes les mots qui traînent qui s’échappent qui se donnent pendant l’amour j’en fais des colliers qui me font plier l’échine ou des chapelets d’espérance que j’égrène en cachette avec le temps va tout s’en va même les plus chouettes souvenirs ça t’a une de ces gueules ».

La narration se veut fragmentée, crée l’illusion que l’histoire s’érige à coups d’instants volés. Le ton oscille entre journal personnel et succession de micronouvelles, la linéarité temporelle étant tantôt respectée, tantôt ignorée.

Si j’ai apprécié la puissance poétique de plusieurs passages, la précision et la fluidité de la langue, le morcellement du fil narratif, j’ai néanmoins eu l’impression d’être témoin d’un exercice de style. Je n’ai pas réussi à m’attacher à la narratrice, dépendante affective finie, qui foule, vraisemblablement depuis des décennies, les mêmes sentiers rabattus, à la recherche d’un soi meilleur qui ne semble pouvoir être atteint qu’à travers un asservissement à l’Autre. Oui, des centaines, des milliers sans doute, s’y reconnaitront. J’aurais préféré être édifiée.

Les autres collaborateurs de La Recrue sont assez enthousiastes. À lire ici...

Chants libres fête ses 20 ans en grand ce soir

Grande batailleuse devant l’éternel, Pauline Vaillancourt regarde rarement derrière elle. Pourtant, alors que Chants libres s’apprête à convier le public à une fête de la musique bien particulière ce soir au Monument-National, elle accepte de dresser un bilan des deux premières décennies de la compagnie. « Je suis fière d’avoir créé 13 opéras de qualité, d’être encore là après 20 ans et de ne pas avoir accepté de concessions, souligne-t-elle d’entrée de jeu. Créer une œuvre, c’est lui donner son souffle, offrir une voix à un personnage. » Les 20 interprètes et 25 musiciens du spectacle Arias offriront donc, en hommage aux créateurs, interprètes et artisans qui ont pris part, à un moment ou un autre, à la folle aventure, des extraits marquants de tous les opéras présentés jusqu’ici, unifiés en une gigantesque partition grâce à des transitions chorégraphiées. « Tous les projets ont leur esthétique et leurs forces. Dans le monde, on ne peut pas avoir une seule couleur, ce serait désespérant. »

J'y serai, bien évidemment.
Si vous souhaitez lire l'article que j'ai consacré à cet anniversaire important, vous pouvez le trouver en page 24 du numéro courant de La Scena Musicale.

Une langue venue d'ailleurs

J'avais lu une citation sur le blogue de Caro[line] avec attention, mais étais loin de me douter que le livre me parviendrait bientôt par la poste, accompagné d'une charmante missive, dans laquelle Caro mentionnait notamment: « Je pense que ce livre peut te plaire. Il y a Mozart et plein de réflexions intéressantes sur notre langue! » Vous me connaissez, quand il est question de Mozart, je ne résiste jamais longtemps. (Je ferai d'ailleurs dès demain soir trois conférences pré-concert sur l'amitié entre Mozart et Haydn pour l'Orchestre baroque Arion.) Et puis, cette question de l'apprentissage d'une langue à des lieues d'une langue maternelle ne pouvait que me toucher (surtout que je tente de mater une troisième langue depuis quelques mois).

Akira Mizubayashi a choisi le français de façon quasi viscérale, « parce que c'était lui, parce que c'était elle » serait-on tenté de dire pour paraphraser Montaigne. On suit son parcours, des premières leçons transmises sur les ondes radiophoniques qu'il écoute en parallèle avec Les nozze di Figaro de Mozart (les deux étant pour lui intimement liés).

« J'ai le sentiment d'avoir profité, en tierce personne, du face-à-face de mon père et de mon frère [qui a étudié longuement le violon] pour m'éveiller à la musique. Et c'est peut-être cette musique-là, que je ne pratique pourtant sur aucun instrument, qui m'a acheminé vers cette autre musique qu'est la langue française. Quand je parle cette langue étrangère qui est devenue mienne, je porte au plus profond de mes yeux l'image ineffaçable de mon père; j'entends au plus profond de mes oreilles toutes les nuances de la voix de de la voix de mon père. Le français est ma langue paternelle. » 

On l'accompagne ensuite en France, alors qu'il étudie à Montpellier (il rencontrera celle qui allait devenir sa femme) et à Paris. Il partage avec nous sa fascination pour Jean-Jacques Rousseau et l'exubérance avec laquelle il transmet notre langue, devenue également sienne, aux étudiants japonais. 

« Habiter le français comme le dit si bien Cioran, en faire un lieu de vie, mon espace vital, ma demeure permanente, mon paysage intime, mon milieu environnemental essentiel, c'était là précisément l'objectif prioritaire et non négociable. »

 J'ai aimé être témoin de ce périple, aussi bien travail sur la langue que sur soi, ouverture à l'autre qu'acceptation de soi.

« La musique m'accompagnera toujours, me disais-je, tant que je ne sortirai pas de cette langue, tant que je ne cesserai pas de respirer dans cette langue et par cette langue. C'était là une certitude. Le français était un instrument de musique - et il l'est toujours - que j'essayais de faire chanter et résonner au gré de mes émotions quotidiennes. »

 Merci tout plein Caro pour le partage!

Plus ça change...

« En France, dans la musique comme dans les livres, on est tout fier quand on a étonné par une phrase bizarre: le bon public ne s'aperçoit pas que l'auteur n'a rien dit, trouve quelque chose de singulier dans son fait, et applaudit; mais au bout de deux ou trois singularités dûment applaudies, il bâille, et cette triste manière d'être termine tous nos concerts. »

Stendhal, Lettres sur Haydn

Inégal Matsuev

Parfois, on attend beaucoup d'un concert, ce qui implique presque automatiquement une déception (sauf peut-être si on a affaire à Brendel... et encore). J'avais été à la fois séduite par la technique et la poésie de Denis Matsuev l'année dernière et espérais avoir (enfin) affaire à un pianiste de la vieille école, comme il ne s'en fait (malheureusement) presque plus. Le programme était conçu pour démontrer virtuosité (Mephisto de Liszt et Deuxième Sonate de Rachmaninov), délicatesse (mouvements lents des sonates), rigueur (« Appassionata » de Beethoven) et maîtrise du style (Sonate en la mineur de Schubert).

Si Matsuev convainc sans l'ombre d'un doute dans la première catégorie, semblant constamment repousser les limites de la vitesse d'action de la touche du Steinway de la Place des Arts, et m'a plongée dans le ravissement dans la première page du mouvement lent de la Sonate de Rachmaninov, j'ai de nombreuses réserves côté rigueur et style, Matsuev ayant une tendance certaine à russifier tout ce qu'il touche. Le Schubert se trouve ainsi transmis avec une puissance absolument inutile, qui occulte toute la subtilité de la partition. L'abus de rubato m'a également fait grincer des dents à plus d'une reprise. Oui, la musique doit respirer et une battue métronomique est à proscrire, mais, néanmoins, l'auditeur a besoin de pouvoir évoluer dans un certain cadre qui ne relève pourtant pas du carcan.  L'« Appassionata » convainquait plus même si elle ressemblait à des dizaines d'autres, les emportements équilibrant enfin certains instants réfléchis.

La deuxième partie a permis à Matsuev de retrouver son élément. Sa Mephisto était enlevée (même si j'ai préféré les deux versions enregistrées précédemment, plus narratives) et, avec le Rachmaninov, il a enfin atteint cette zone d'interprétation qui frisait la perfection. Cela valait-il non pas un, deux, mais six rappels? Permettez-moi d'en douter. Il a néanmoins su démontrer une délicatesse délicieuse dans le Liadov, a plus que convaincu dans son Rachmaninov, a franchi selon moi la frontière du kitsch dans l'Humoreske de Chtchédrine et l'arrangement de Ginzburg de Dans l'antre du roi de la montagne, avant d'ouvrir la porte à une grande question avec son dernier bis: devrait-il plutôt se diriger vers le jazz? Ce que j'ai entendu à ce moment-là était assurément exceptionnel.

Bouleverser les repères

J'avais très hâte de découvrir Conte crépusculaire du duo de choc Pierre Lapointe/David Altmejd à la Galerie de l'UQAM mercredi soir. Le travail de Pierre Lapointe - et surtout sa volonté constante de se maintenir en déséquilibre, à travers une série de projets qui lui permettent d'ouvrir son geste créateur - m'interpelle, les œuvres aériennes de David Altmejd m'envoutent, j'apprécie le travail du compositeur Yannick Plamondon et je peux toujours compter sur le Quatuor Molinari pour livrer une interprétation impeccable.

D'entrée de jeu, il y avait quelque chose d'assez troublant à pénétrer dans la salle d'exposition, en s'interrogeant sur l'évolution de la structure de plexiglas au cours de la représentation. De découvrir les artistes déjà présents - Pierre Lapointe et David Altmejd chacun dans une cache pratiquée dans le plancher de la structure soutenant l’œuvre, Émilie Laforest et Sacha Jean-Claude en attente de l'instant, le Molinari installé sur une scène connexe - permettait de presque palper l'intensité (plus intérieure chez Lapointe, plus ludique peut-être chez Altmejd).

Quand le conte initiatique s'est amorcé, j'ai rapidement réalisé que nous nous trouvions devant un objet artistique unique, entre opéra contemporain, théâtre de geste, concert, spectacle et happening en arts visuels. Cette citation d'Olivier Py, lue quelques jours auparavant, me semblait des plus pertinentes: « Le théâtre c'est plus de la douleur que du bonheur. C'est cette douleur qui est une joie. » En quelques mesures à peine, la musique de Yannick Plamondon, presque déchirante de beauté, à la fois dense et fragile, magnifiquement portée par le Quatuor Molinari et les deux voix de soprano, avait ouvert en moi une brèche. Quand Pierre Lapointe s'est levé pour chanter sa mort prochaine, mais aussi sa transfiguration, une présence poétique réelle s'est greffée à la partition, magnifiée par la structure d'Altmejd, qui tenait aussi bien du sarcophage que de la chrysalide.

À la sortie, les fans de Lapointe semblaient déçus. J'ai entendu quelques « On ne l'a presque pas entendu » et de nombreux « Je n'ai pas tout compris... » Peu importe au fond. L'audace du projet doit être saluée, même si un réel sentiment de work in progress (ce que le projet est, puisque l'oeuvre ne sera « terminée » que demain soir, lors de la dernière représentation) s'en dégageait. Cela exigeait certes un certain lâcher-prise (un lâcher-prise certain?) de la part du public, geste que bien peu étaient prêts à accorder, à s'accorder. Je suis sortie avec le regard trans-lucide, consciente d'avoir assisté à un événement unique, qui habitera mon imaginaire pendant encore longtemps.

En faisant une recherche dans les divers quotidiens afin de découvrir la perception de d'autres présents, j'ai pu constater que la plupart des critiques avaient été si déstabilisés qu'ils en avaient perdu leurs repères. Sylvain Cormier du Devoir écrit par exemple: « J'ai encore les dissonances des partitions du Quatuor Molinaro [sic] dans l'oreille droite. J'ai trouvé les tatouages sur le corps de Lapointe fort laids. Et pour une rare fois, j'ai été confronté à mes limites: c'est déjà quelque chose. » Philippe Rezzonico de Rue Frontenac avance quant à lui: « Au final, ce croisement hybride d’univers a pratiquement secoué mes repères comme Cabaret neiges noires, il y a deux décennies. C’est tout dire. » Aucun doute: un tel moment n'arrive pas tous les jours.

(Photo: Pascal Grandmaison et Frédéric Bouchard)

Denis Matsuev en récital ce soir

Soliste invité de l’Orchestre du Mariinsky sous Gergiev l’année dernière, il avait renversé public et critique dans son Troisième de Rachmaninov. Sous ses doigts, le redoutable concerto semblait d’une facilité désarmante, le pianiste transcendant littéralement les difficultés pour extraire de cette œuvre pyrotechnique une trame lyrique et même poétique, ses pianissimos plongeant l’auditeur dans un ravissement total. En rappel, Denis Matsuev avait opté pour la paraphrase virtuose du Barbier de Séville de Ginzburg (qu’on retrouve d’ailleurs sur son album Tribute to Horowitz), flamboyante, à la frontière (jamais franchie pourtant) du cabotinage, qu’il avait mâtiné de quelques clins d’œil personnels non dénués d’un certain humour.



Nous le découvrirons cette fois autre, dans un récital « à l’ancienne » qui comprend deux pierres angulaires du répertoire, l’« Appassionata » de Beethoven (enregistrée à ses débuts) et la Deuxième Sonate de Rachmaninov. Souhaitons qu’il sache démontrer sa subtilité dans la Sonate opus 142 de Schubert en début de programme. Il en jettera assurément plein la vue avec sa Méphisto-Valse (Matsuev reste l’un des rares pianistes d’aujourd’hui capable d’occulter la dimension tapageuse de ces pages) et réservera sans doute un petit bonbon ou deux aux amateurs en bis. Une grande soirée de piano en perspective?

Conte crépusculaire

Son album Seul au piano trône au sommet des ventes francophones depuis sa sortie en février, mais Pierre Lapointe refuse de se cantonner dans le rôle de vedette comblée. Après avoir vu certains de ses succès réinterprétés par des étudiants en composition du Conservatoire de Montréal en décembre dernier, il s’associe cette fois aux artistes visuels David Altmejd et Pascal Grandmaison, au compositeur Yannick Plamondon, au Quatuor Molinari, et propose Conte crépusculaire, « un espace inquiétant d’une beauté absolue ». « Je trouve que la chanson française tourne en rond et n’évolue pas assez, affirme d’entrée de jeu Lapointe. Le média possède autant de potentiel que la musique, les arts ou le design contemporains, mais fait plutôt figure de parent pauvre. »

Privilégiant une approche multidisciplinaire, qui rend floues les spécificités des genres, le projet se veut une véritable rencontre, entre collaborateurs d’abord, puis avec le public, qu’on souhaite hétérogène. « Il était très important d’avoir des gens qui ne travaillent pas de façon statique », explique Lapointe. On rencontre trop souvent dans la création une surenchère d’ego qui cherchent à défendre des projets personnels, tout en choisissant sciemment d’occulter les expérimentations des autres milieux, croit-il d’ailleurs : « La création ne devrait pas connaître de frontières. Son but premier est de rejoindre les gens. »

La création à son meilleur

Grosse semaine cette semaine, alors que j'assisterai à quatre concerts, dont trois comprennent des créations d'œuvres. L'OSM rend aujourd'hui et demain hommage à Pops, le fondateur de l'organisme Le bon Dieu dans la rue avec Beatitudines de Jean Lesage.

Mercredi, Les Cinq As, le concert-bénéfice de l'ECM+ comprendra la création de pas un mais de trois nouveaux concertos. On pourra entendre le Double Concerto, pour trompette et trombone de David Adamcyk, Au cœur du son, pour violon de Serge Arcuri et Variations II pour duo de pianos Pierre Klanac,  mis en espace et en images par l'équipe de vidéastes de Foumalade et Mathias Maute. 

« Nous avons souhaité tendre une perche au grand public, explique la directrice artistique de l’ECM+ Véronique Lacroix, l’aborder par ce que j’appellerais le cerveau droit. Je crois en la capacité de l’art de nous sortir de notre quotidien, de continuer à nous faire rêver. J’ai beaucoup d’admiration et d’attrait pour la virtuosité, cette capacité à déployer un agencement de gestes difficiles dans un langage musical cohérent et expressif. Cette répétition du geste jusqu’à ce qu’il soit sublimé est selon moi ce qu’il y a de plus beau dans la nature humaine, ce qui appartient au divin. Si le terme est généralement associé au répertoire classique, nous avons décidé de le mettre au service de la nouvelle musique. » 

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Faire pleurer un piano

« Ce n'était pas qu'il lui manquait un cœur: au fond de lui il y avait une peine immense, un vertige sans nom, un gouffre dans lequel il sombrait corps et âme. Simplement, cet homme n'avait jamais appris à pleurer. En revanche, il était capable de faire pleurer le piano blanc, et les notes de musique qui s'écoulaient de son instrument étaient bien plus belles que de vraies larmes. »

Maxence Fermine, Amazone