Rue Fable: Quatre saisons en vignettes

Photo: Catherine Asselin-Boulanger

Six voisins, six personnages plus grands que nature, aux traits volontairement grossis : l’adolescente à l’humeur noire (Audrey Bergeron), le boxeur en reconstruction (Bryan Morneau), la voluptueuse qui se sert son corps comme d’une arme (Sylvie Moreau), la timide qui vit avec son chat (Émilie Sigouin), le vieil homme qui meuble sa solitude en épiant notamment les dessous de ses voisines (Jean Asselin) et le bandit de bas étage latino (Pascal Contamine).

Souvent, ils se toisent; parfois, ils se croisent. Les trajectoires se percutent, les destins se lient, le tout sur fond d’une trame sonore qui multiplie les clins d’œil (Frou-frou ou la chanson-thème de Rocky par exemple) et les clichés, comme cette utilisation un peu subversive des Quatre Saisons de Vivaldi, ponctuation et leitmotiv, qui deviennent soutien à des chorégraphies particulièrement caricaturales.

L’esthétique volontiers BD fonctionne très bien cependant, nous laissant avec l’impression de plonger presque littéralement dans ce récit s’étalant sur une année. 

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Le BusOpéra transformé en salon de barbier demain

J'aime beaucoup ces initiatives inusitées que l'Opéra de Montréal a choisi de développer autour de ses productions. Demain, Movember et l’hôtel W vous invitent à vivre « une expérience tout sauf rasante » en soutien à Movember, alors que des barbiers tailleront les moustaches des hommes se présentant au busOpéra stationné au Square Victoria, devant l’hôtel W, entre 11 h 30 à 13 h 30.

On y retrouvera aussi des chanteurs de la production Le barbier de Séville dont Étienne Dupuis qui tiendra le rôle de Figaro présentée du 8 au 17 novembre prochain et Charles Hamelin, médaillé d'or à Sotchi.

Les paroles: insaisissable

Il y a de ces spectacles qui vous glissent des mains, qui vous échappent sans que vous ne sachiez trop pourquoi. Je suis toujours troublée quand je suis devant l'un d'eux. Disposant d'un vocabulaire en principe adéquat me permettant de décrypter les codes du théâtre et de la danse, portée par un amour inconditionnel de la littérature, plusieurs heures après ma sortie du Prospero, je reste perplexe. 

La proposition d'Alix Dufresne de flouer les frontières entre théâtre et danse est pourtant intéressante, se révèle même d'une certaine façon le moyen idéal pour transmettre le texte presque fragmentaire de ces Paroles du dramaturge australien Daniel Keene. Après tout, les deux personnages principaux ont perdu leur voix propre: Paul parce qu'il a choisi de devenir un canal de transmission pour la parole de Dieu, Hélène parce qu'elle a dû apprendre à faire taire sa raison et ses propres désirs. « Il y a des mots que vous apprenez à ne plus jamais dire. Vous ne les dites plus jamais parce que vous ne pouvez pas. Parce qu'ils ne peuvent plus rien signifier pour vous. » 

Ils voyagent, de ville en ville, en espérant à chaque fois donner un sens à leur vie, y découvrir le sens de la vie. Ils ploient sous le poids de leurs espoirs déchus, de leur ressentiment sans doute, souvent littéralement (belle image que celle de Rachel Graton s'avançant comme une grue, juchée sur les orteils, le dos à l'horizontal). Parfois, ils s'arrêtent, se redressent pour prêcher ou parler de leurs doutes, s'allongent pour oublier la faim et rester en contact avec le rêve.

Est-ce parce que la religion a été occultée de nos vies que j'ai peiné à trouver certains ancrages facilitant une meilleure compréhension de cette pièce qui, en dissimulant plus ou moins les mots, révèle le gouffre qui nous entoure? Je ne pense pas. Était-il vraiment nécessaire de rappeler à gros traits les signes religieux chrétiens? Assurément pas. Est-ce parce que Marc Béland et Rachel Graton, pourtant irréprochables, déclament ces mots en apparence banals avec une emphase presque démesurée? N'auraient-ils pas ici été plus convaincants dans un français que l'on pourrait considérer international au niveau du vocabulaire, mais énoncé avec un accent plus « québécois »? 

Peut-être est-il au fond inutile de chercher une réponse. Je resterai donc avec cette impression de sable filant entre mes doigts.

Jusqu'au 1er novembre au Théâtre Prospero.

Tentacle Tribe et Wants&Needs Dance: éclectique

Danse Danse offre jusqu’à samedi un programme double faisant la part belle à la relève locale qui saura convaincre l’amateur de la multiplicité du langage chorégraphique.

Nobody Likes a Pixelated Squid du duo Tentacle Tribe, formé d’Emmanuelle Lê Phan et Elon Höglund se révèle une pièce des plus intéressantes qui redéfinit les codes habituellement associés aux duos, mais surtout métisse les langages chorégraphiques avec une grande habilité. Danse contemporaine, danses de rue (hip-hop, breakdance, popping) et éléments de cirque (les deux artistes se sont d’ailleurs rencontrés lors des répétitions pour le spectacle Love du Cirque du Soleil) s’amalgament avec naturel, le mouvement se faisant tantôt fluide, tantôt fractionné, mais toujours parfaitement contrôlé. Soutenu par des éclairages soignés de Benoît Larivière, le dialogue entre trame musicale (pourtant un collage) et gestuelle aura rarement paru si convaincante, comme si elle avait été conçue de façon presque osmotique. On se demande à plusieurs reprises qui du son ou du mouvement a précédé l’autre, tant on n’a jamais l’impression que l’un a été plaqué sur l’autre, magnifiant ce sentiment d’avoir été témoin d’un songe. « It could be a dream », nous rappelle d’ailleurs la bande-son à la fin. Une pièce achevée qui nous donne envie de retrouver très bientôt les deux complices.

En deuxième partie de spectacle, changement radical d’atmosphère avec Chorus II de Sacha Kleinplatz. Véritable ode à l’homme, aussi excessif dans ses prouesses que dans ses fragilités, la pièce fait alterner joutes acrobatiques et moments de pure tendresse. Six danseurs et un multi-instrumentiste en complets sombres et chemises blanches se jaugent, s’épaulent, se laissent porter par la force du groupe ou cherchent à s’en extraire violemment. Paradoxe peut-être : on a souvent l’impression d’être devant une sculpture en mouvement plutôt qu’une œuvre chorégraphique (même si certaines images restent d’une troublante beauté ou d’une poétique férocité). Cela a sans doute beaucoup à voir avec le lieu qui se prête moins aux effets de contre-plongée que le MAI (où a été créée la pièce en 2013) et à la trame sonore qui manque parfois de densité. (On retiendra l’envoutant solo de clarinette du début, alors que le groupe d’hommes se tient dans le noir, donnant un instant l’illusion de faire partie d’une toile de Soulages, et les dynamiques segments de percussion.) Néanmoins, sur le thème de la fraternité assumée, D’après une histoire vraie de Christian Rizzo, présentée au FTA en mai dernier, m’aura certes paru plus convaincant.

Appel aux guitaristes

Il y a de ces projets allumés qui me donnent envie de changer d'instrument. (Oui, je sais, il est un peu tard sans doute pour penser à me recycler, quoi que...) J'aurais été assurément bassiste plutôt que que guitariste dans un groupe rock, mais il faut quand même que la guitare électrique a de ces charmes auxquels il est difficile de résister. (Vous avez déjà vu des groupies dans la loge d'un musicien classique, vous? My point exactly...)

Bradyworks, en collaboration avec le festival Montréal/Nouvelles Musiques (MNM) présentera 100 Very Good Reason Why_ le 7 mars prochain, histoire de célébrer avec faste le 100e anniversaire de naissance du légendaire guitariste Les Paul, inventeur de la guitare électrique à corps plein (solidbody) et des techniques d'enregistrement multipistes et de l'overdubbing.

Des auditions libres se tiendront le 23 novembre au Centre Pierre-Péladeau pour trouver 80 guitaristes amateurs qui feront partie d'Instruments of Happiness Extreme, l'ensemble de 100 guitares électriques qui créera l'oeuvre de Tim Brady. Peu importe votre âge, votre niveau ou votre style de jeu, vous pouvez vous présenter à l'audition. Si vous savez lire la musique, c'est un bonus, mais l'essentiel ici est surtout de pouvoir garder le rythme.

Plus d'information sur la page Facebook de l'événement ici...

L'enfant dans la cage: écrire, exige-t-il

L’enfant dans la cage ne laissera personne indifférent. Soit on adopte la proposition de William Drouin d’entrée de jeu ou presque, soit on restera en dehors de cette étrange prison dans laquelle évolue Sixpé. Ici, l’écriture n’est pas libération. Si elle permet au narrateur d’apprivoiser le deuil de sa mère, de son frère, d’accepter la violence de son père, de s’inventer par moments une histoire parallèle, elle ne soulage pas, au contraire. « Comme dirait papa, c’est dans l’inconfort que la singularité du mot se développe. À en croire son expérience, les gens n’écriraient rien si on ne les mettait pas au pied du mur. Si ça se trouve, la cage est le lieu idéal pour devenir écrivain. »

Réflexion sur le geste même d’écrire autant que sur la nécessité d’avoir recours à la fiction pour survivre, L’enfant dans la cage reste un texte lourd, dense, qui ne s’apprivoise pas facilement. On peut s’y perdre, s’y sentir oppressé. On aura sans doute besoin de relire certains passages, de les retourner autrement si on veut en extraire l’essentiel. Pourtant, une fois les premiers instants de relatif inconfort derrière soi, on se laissera envouter par cette étrange histoire, qui mêle allégrement présent et passé, fiction et métafiction, voix de l’auteur et du narrateur. « Je sais que je ne devrais pas mêler le présent au passé comme je l’ai fait et comme je m’apprête à le faire encore. Je sais que je me traîne dans le temps comme dans de la boue, c’est bien ce que c’est, mais de parler du passé est un peu tout ce qui m’aide à respirer. »

Pour ne pas avoir l’impression d’avoir été semé en route, il ne faudra pas chercher à tout vouloir comprendre, à boucler les récits secondaires, à accepter la fin pas seulement ouverte, mais qui semble nous glisser entre les doigts, comme si l’on se trouvait devant un tableau abstrait, à interpréter de plus d’une façon. Une histoire donc dont le lecteur ne sort pas indemne, à la charge poétique certaine, qui le force à devenir traducteur d’une certaine façon. « Le problème, ce n’est pas le mensonge, comme qui dirait, une histoire commence toujours par un mensonge d’une vraisemblance telle qu’on ne s’arrête plus de lire. » À une époque qui favorise le préformaté, il faut saluer l’audace de Drouin de proposer un premier roman quirefuse toute facilité. Une voix unique, que l’on voudra suivre.

William Drouin recrue d'octobre

 « Je sais que ce n’est pas aux autres de me nourrir, que c’est le rôle de celui qui écrit de nourrir celui qui lit, de lui servir les restes de la veille ou de lui préparer la soupe chaude. Les vrais écrivains connaissent les goûts culinaires de leur lecteur et varient le menu, passent de la moule au pétoncle, de la palourde à l’huître, et si le lecteur est allergique aux fruits de mer, sortent un biftèque du congélateur et l’attendrissent, le rendent aussi bon que s’il était frais et c’est là tout le vrai talent de l’écrivain. »

Ce passage extrait de notre Recrue ce mois-ci, L’enfant dans la cage de William Drouin, offre une métaphore inusitée du travail de l’écrivain. Dans ce roman, l’écriture n’est pas seulement essentielle, elle devient synonyme de survie, mais non d’émancipation. Un texte noir donc? Pas nécessairement. À travers les couleurs volontiers sombres qu’a choisies l’auteur pour habiller son propos, on ne peut qu’être ébloui par la troublante beauté qui se dégage des pages. Un travail d’orfèvre, méticuleux, attentif, presque anachronique à cette époque où tout va si vite. Drouin explique d’ailleurs dans notre questionnaire – avec une grande générosité, il a répondu à toutes nos interrogations – qu’il a commis 632 textes avant d’oser envoyer celui-ci à un éditeur! Queneau affirmait bien que « c’est en écrivant qu’on devient écriveron ».

Lancer dans le monde un premier roman relève souvent de l’acte de foi, mais publier de nouveau peut aussi donner le vertige. Nous sommes donc particulièrement heureux de retrouver deux auteurs qui avaient séduit nos collaborateurs, Joanne Rochette, Recrue du mois de mars 2011, qui nous revient avec un deuxième roman, Quartz, et Olivier Demers qui, après avoir signé L’hostilité des chiens, nous propose cette fois un recueil de nouvelles, Contes violents. Il arrive que certains textes entrent en résonnance. C’est le cas ici de Ma belle blessure de Martin Clavet, Prix Robert-Cliche 2014, etCru de Néfertari Bélizaire, qui abordent tous les deux le sujet de la maltraitance envers les enfants. Vous pourrez les découvrir côte à côte, dans notre chronique « Regards croisés ».

Avec ce numéro, La Recrue du mois entame sa huitième année. Quatre-vingt-cinq fois jusqu’ici nous avons remis sur le métier l’ouvrage. Depuis octobre 2007, notre mission est restée inchangée : offrir une tribune privilégiée aux nouveaux auteurs, permettre à leur voix d’être entendue, à leur travail d’être reconnu à sa juste valeur. Porté par l’énergie de ses collaborateurs, tous bénévoles rappelons-le, le webzine continue de faire sa place, tant au Québec qu’à l’étranger. La littérature vous séduit? Vous souhaitez mettre votre plume au service des jeunes auteurs québécois? Joignez-vous à l’équipe dynamique qui m’entoure. Vous pouvez le faire en communiquant avec nous à travers le formulaire de contact. Vous préférez une lecture un peu plus passive? Nous le comprenons sans peine. Toutefois, n’hésitez pas à commenter, sur notre site ou notre page Facebook, à nous faire part de vos coups de cœur. Nous n’aimons rien tant que l’échange.

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