Recommencements

« Les mots accomplissent un travail de révélation semblable au travail de guérison. Quand nous les laissons librement devant nous, ils voient au-delà de ce que perçoit notre regard et nous dévoilent ainsi à nous-mêmes. Et si on leur donne toute la place, ils diront ce qu'ils savent, et ce que l'on ignore encore. Les mots œuvrent comme des miroirs et nous invitent à la rencontre de notre visage. Ils tâtonnent dans les endroits les moins éclairés de l'être pour trouver ces échappées de lumière qui résistent, déposent leur pollen sur ces petits riens tapis dans l'angle mort de notre vie et qui en rappellent le miracle. Et souvent, au cœur de l'aventure à laquelle les mots nous convient, survient un apaisement, une délivrance même, quelque chose de très proche de ce qu'on appelle guérison. »

Je ne connaissais Hélène Dorion que de réputation (sa liste de récompenses est imposante), mais ne l'avais encore jamais lue. Pour mon anniversaire, Topinambulle m'a offert son dernier opus, Recommencements, Prix des écrivains francophones d'Amérique, que j'ai dévoré en une seule soirée, avec une bonne provision de papillons adhésifs, comme en témoigne la photo. (Joli, le terme français choisi par l'Office québécois de la langue française, non?)

Dans ce récit éminemment poétique, l'auteure évoque le deuil - celui de sa mère, celui d'une relation passée -, mais propose aussi des réflexions des plus intéressantes sur le processus d'écriture et notre périple terrestre. La vie n'est-elle pas au fond qu'une longue série de recommencements, de choix qui parfois affectent le cours entier, de doutes sur lesquels il demeure souvent inutile de appesantir, de cercles concentriques, le passage de l'un à l'autre pouvant se révéler parfois difficile?

Hélène Dorion nous prend presque subrepticement par la main, le cœur, nous convie à la suivre dans les méandres de la création de ce livre, nous forçant ici et là à revenir sur nos pas, à relire un passage, à le laisser décanter, à le faire sien, à le faire autre. On referme le livre comme on souffle sur un mandala de sable, conscient de l'évanescence du moment et de la beauté que l'on vient de contempler.

Merci Topi!

Colis 22

Ils sont coursiers à vélo et gravitent autour de la base, sont surnommés Pluton, Mercure, Neptune... Il leur arrive des histoires rocambolesques: accident hypothéquant le vélo, conversations plus ou moins ésotériques avec le réparateur, mais surtout leur univers frappe de plein fouet celui d'une étrange secte, dont le maître a les pensées fort troublées, il faut l'admettre.

Colis 22 se joue sur deux plans et c'est peut-être pour cela que ce nouvel album de Marsi séduit autant. D'une part, il y a la ville de Québec qui se dévoile, ses rues, son Château, ses boutiques, ses viaducs, un peu comme le fait dans un autre registre Jacques Poulin. De l'autre, il y a le mystère qui entoure la livraison du mystérieux Colis 22, dont le contenu et le destinataire restent certes des plus intrigants.

Le dessin est méticuleux et démontre l'attention presque maniaque prêtée aux détails. Les amateurs d'Hitchcock apprécieront sans nul doute les quelques clins d’œil, ceux qui préfèrent les tableaux de société ne seront pas en reste. Si le suspense joue un rôle essentiel, on se rend compte qu'au fond, ce qui séduit le plus dans cette bande dessinée est plutôt sa galerie de personnages en apparence atypiques, assurément sympathiques.

Une agréable façon de voler quelques instants à la frénésie des fêtes...

Us Conductors

Sean Michaels a eu le privilège de remporter le prestigieux Giller Prize pour son premier roman, Us Conductors, une biographie plus que romancée de Lev Termen, ingénieur, physicien et inventeur du thérémine, un instrument des plus intrigants, les mains contrôlant note et volume entre deux antennes. On en apprendra certes sur cet homme étonnant, mais là n'est pas le but premier de ce livre étonnant, « plein de distortions, d'élisions, d'omissions et de mensonges », admet lui-même l'auteur.

L'histoire s'articule fort habilement en deux temps. La première, racontée par Termen alors qu'il retourne en Russie contre son gré, revient sur sa jeunesse, mais surtout ses onze années passées à New York, alors qu'il tente de convaincre le public américain d'adopter le thérémine et tombe amoureux de Clara (Rockmore), une violoniste qui deviendra la plus grande virtuose que l'instrument ait connu. On y côtoie des jazzmen, des compositeurs classiques (certaines soirées chez Termen font rêver!) et une galerie de personnages vaguement louches sorties tout droit d'un film noir. La seconde nous propulse huit ans plus tard, alors que Termen purge sa peine au goulag et en prison.

Le lecteur devra s'accrocher pendant quelques dizaines de pages, subir quelques descriptions techniques qui échapperont à la plupart d'entre nous, mais à un moment, assez subtilement, comme si l'auteur se jouait un peu de nos attentes, le tout bascule et on se laisse happer par cette histoire d'amour impossible, mais surtout par cette peinture fort réussie d'atmosphères et d'époques.

J'ai eu le plaisir de m'entretenir avec l'auteur. Vous pouvez écouter le tout ici...

Attape-moi!: ode à l'amitié

Photo: Benoit Lemay

Flip FabriQue avait séduit le public lors de l'édition 2013 du Festival Complètement Cirque et on comprend aisément comment une telle proposition s'inscrivait alors parfaitement dans la programmation du festival. Après tout, l'histoire se déroule en été, alors que six amis se retrouvent dans un chalet qu'ils ont fréquenté jadis, après s'être perdus de vue pendant une dizaine d'année.

La complicité entre les membres du groupe - qui jouent leurs propres rôles, comme le font souvent leurs comparses des Sept doigts de la main - est perceptible. On sent combien l'assemblage du spectacle a dû se faire dans la joie et l'expérimentation la plus ludique, les forces de chacun permettant à un tout cohérent de se dessiner. Chacun peut selon les segments se retrouver base, musicien, collègue jongleur, élément comique ou soliste.

Photo: Benoit Lemay

Le spectateur vivra des émotions multiples, de l'incrédulité par rapport à certaines séquences de diabolo à deux  (pourtant pas l'appareil le plus spectaculaire habituellement) à un ébahissement mâtiné de vertige devant le spectaculaire numéro final de trampomur, en passant par l'émerveillement le plus pur, avec le numéro de sangles à la forte charge poétique d'Hugo Ouellet Côté sur le hit mélancolique de Patrick Watson, l'album de photos que les amis feuillettent devenant ici nouvel accessoire. (La puissance de ce moment affadit malheureusement le numéro de cerceau aérien de Jade Dussault, très réussi pourtant, qui se lit comme un écho un peu plus tard dans le spectacle.) On rira ferme aussi, que ce soit lors du concours de popsicles ou des glissades et pyramides réalisées avec les six énormes ballons rouges d'exercice sur l'endiablé Copacabana.

L'esthétique du spectacle se veut entre BD déjantée et hip-hop assumé et la musique (presque entièrement anglophone) reflète ce choix. On annonce un spectacle pour la famille, mais je me suis demandée à quelques reprises si les plus jeunes sauraient saisir certaines des références culturelles (ou même musicales). Sans que l'on aborde des sujets difficiles (contrairement à Méandre par exemple, présenté en début de saison), on peut quand même avancer que le spectacle plaira sans doute plus aux préadolescents et adolescents - et à leurs parents qui revivront certains étés de leur jeunesse - qu'aux très jeunes.

Une chose est certaine: à aucun moment, on n'aura envie de bouder son plaisir. Attrape-moi! pourrait se révéler le parfait antidote à la grisaille ou aux multiples partys de famille,

À la TOHU jusqu'au 3 janvier.

Ensemble Kô: Le siècle des siècles

Il y a des albums qu'il faut écouter sans préjugés, les yeux fermés peut-être, mais les oreilles grand ouvertes, qui nous proposent un parcours musical cohérent plutôt qu'un simple assemblage de matériel. Le premier album de l'Ensemble Kô, sous la direction de Tiphaine Legrand, que j'ai enfin pris le temps d'écouter il y a une dizaine de jours est de ceux-là.

Si la juxtaposition entre des chansons polyphoniques et d'anthems de la Renaissance peut sembler naturelle, on ne les associerait pas spontanément à une oeuvre originale de François-Hugues Leclair ou à une transcription (particulièrement réussie) de la Fantasia on a Theme by Thomas Tallis de Ralph Vaughan-Williams. Et pourtant quand on écoute l'album comme un tout - comme on le ferait d'un concert -, le parcours semble d'un grand naturel.

L'oreille s'aiguise d'abord à travers six pièces qui durent autour d'une minute, autant de regards croisés posés sur une époque, avant que l'on ne plonge plus profondément dans les subtilités du langage polyphonique grâce à l'Ave verum corpus de Byrd. On peut alors prendre le temps d'apprécier la maîtrise et la clarté avec laquelle l'ensemble transmet les subtilités de la partition. Le couplage entre la pièce de Tallis et la fantaisie qui la suit coule ensuite de source, comme celui entre les pièces de Josquin des Prez et François-Hugues Leclair. On aurait peut-être préféré que là aussi l'ordre chronologique soit respectée, mais Mille regretz peut aussi se lire comme un clin d’œil à Toutes les nuitctz de Janequin qui ouvre l'album, ce qui nous laisse avec l'impression de refermer un livre dans lequel on aurait pris plaisir à se perdre.

L'Ensemble Kô sera en concert ce soir au marché de Noël de l'Espace Notre-Dame.

On peut découvrir l'album ici...

Vestiges recrue de décembre

Décembre… le temps des cadeaux. Vous aurez assurément l’embarras du choix côté premiers livres québécois, la dernière année s’étant révélée particulièrement faste. Primoromanciers et nouvellistes continuent de tirer leur épingle du jeu avec ardeur, tant ici qu’à l’étranger. Quelle agréable surprise de trouver plusieurs de nos recrues sur les tablettes de la Librairie du Québec à Paris lors d’un périple effectué là-bas au début du mois! Moi qui craignais que les « classiques » (qui possèdent néanmoins d’indéniables qualités) n’étouffent les nouvelles voix. Il n’en était rien, au contraire! J’ai ainsi pu découvrir avec plaisir que non pas un, mais bien quatre exemplaires de Vestiges, recueil de nouvelles de Véronique Bossé, notre recrue ce mois-ci, faisaient partie de l’inventaire de ce sympathique lieu.

« J’ai toujours eu en moi le besoin d’écrire, mais nous sommes encore en processus de négociation, l’écriture et moi,nous apprend l’auteure dans ses réponses à notre questionnaire. Je dirais que je ne sais pas encore si je veux écrire ou si j’en suis capable. Il me reste encore beaucoup à apprendre et à comprendre pour assumer pleinement ce désir qui s’accompagne de longues périodes de dégoût. Mais quand la magie est là, trois minutes par année, j’ai la conviction profonde que je dois suivre cette voie. »

La magie des mots a assurément opéré sur notre collaboratrice Marie-Jeanne Leduc qui n’hésite pas à classer Ma vie rouge Kubrick de Simon Roy au sommet de son palmarès. « Il s’agit certainement du roman le plus prenant que j’ai lu cette année », affirme-t-elle. Dans un autre registre, Les filles bleues de l’été de Mikella Nicol, publié par la nouvelle maison d’édition Le cheval d’août saura aussi séduire les plus exigeants. Si vous affectionnez les univers féminins, vous serez sans doute également tentés par Coupée au montage de Laurette Laurin ou Lise hier de Caroline Chartrand qui raconte la vie tout sauf banale d’une femme qui se réveille périodiquement dans une chambre qu’elle ne reconnaît pas. Les adolescents craqueront pour Élise et Beethoven de Karen Olsen, une enquête des plus personnelles. Au milieu de l’opulence des fêtes de fin d’année, certains voudront peut-être prendre quelques instants pour réfléchir aux injustices trop présentes dans notre société avec Les brasseurs de la ville de l’auteur haïtien Evains Wêche.

Le premier roman se porte bien également du côté du Canada anglais semble-t-il. Us Conductors de Sean Michaels, une fausse biographie de l’inventeur du thérémine, a reçu en novembre le prestigieux Giller Prize, doté d’une bourse de 100 000 $. J’ai eu le plaisir de m’entretenir avec le lauréat qui nous parle aussi bien du processus de création que des émotions ressenties à l’annonce du prix. Bonne nouvelle : une traduction est déjà prévue et sera signée par une de nos anciennes recrues, Catherine Leroux.

Toute l’équipe se joint à moi pour vous offrir nos meilleurs vœux pour un temps des fêtes placé sous le signe des réjouissances et des retrouvailles… avec vos proches comme avec les livres!

Pour lire le numéro...

Papillons

Il y a des livres qu'on oublie presque aussitôt la lecture terminée, d'autres dont les personnages ou une émotion sous-jacente continuent de nous habiter, des semaines après. J'ai lu Papillons d'Annie Loiselle il y a près de deux mois et me suis sentie jusqu'ici incapable de le ranger dans ma bibliothèque à côté des deux autres romans de cette auteure que j'aime décidément beaucoup. Oui, bien sûr, il y avait ces citations à recopier dans un fichier, mais ce n'était pas uniquement cela. J'avais l'impression peut-être en laissant traîner ce très bel objet de pouvoir accompagner encore quelques instants les quatre femmes au cœur de ce roman d'émancipation.

Augustine et ses trois filles: Térésa, Alyssa et Anne. Quatre femmes aux caractères trempés, en apparence diamétralement opposés, pourtant unies par une même quête: la redéfinition de l'identité. Tâche ingrate, effectuée parfois de façon maladroite. Quand on apprend à voler, on se cogne souvent aux murs qui nous entourent, blessent des gens autour de nous.

L'histoire pourrait se résumer en quelques lignes, mais la force du roman réside dans le ton adopté par l'auteure qui nous la raconte par bribes, passant de l'une à l'autre de ces femmes qui se sont perdues un jour. Au début, comme elles, on se rebiffe un peu, l'alternance entre les récits pouvant par moments sembler relever de la formule. Au fur et à mesure pourtant, l'écriture s'allège, se libère, nous emmène ailleurs, parfois même à l'intérieur de nous-mêmes.

« Ce serait facile de lui attribuer tous les torts. Il y a Alyssa, aussi, dans cette histoire, Alyssa qui ne sait plus si elle veut se donner la peine d’aimer Jacob, qui pense que, quand l’amour devient une peine, c’est sans doute signe qu’il n’y a plus rien à réparer… » 

Annie Loiselle possède assurément une plume que l'on pourrait qualifier de féminine. Pourtant, ici comme dans ses romans précédents, jamais elle ne sombre dans le mièvre, le convenu, la facilité. Avec subtilité, elle dit les choses, sans poser de jugement. Elle raconte la vie qui bat.., aussi fragile que des ailes de papillons.

Retour au bercail

Je reviens complètement séduite par Bruxelles, une ville à taille humaine, dans laquelle se mêlent harmonieusement le vieux et le nouveau, les deux langues parlées. Des rencontres inoubliables, avec des gens d’une rare gentillesse, avec les œuvres d’artistes belges (il n’y a pas que Magritte dans le plat pays… même si le musée consacré à ses œuvres est fort intéressant), avec une gastronomie multiple, raffinée. Une ville où il fait bon marcher (passablement moins se promener en voiture ai-je cru comprendre), prendre le temps de bouquiner (je n’ai rapporté que des auteurs belges, exception faite de deux essais offerts en cadeau), entrer dans les galeries d’art au hasard, qu’elles soient minuscules ou de taille conséquente, élaborer des projets de collaboration.

Grand-Place (photo: Lucie Renaud)

À l'entrée du restaurant Confucius (photo: Lucie Renaud)

Coup de cœur pour l'expo Night Time d'Hans Op de Beeck 

J’ai ensuite retrouvé Paris et les amis, dans l’effervescence presque brutale du temps des fêtes (un sacré défi que d’avancer un samedi après-midi rue de Rivoli!), dans le bruit de la grande ville, dans une certaine grogne aussi, perceptible dans les métros, les boutiques, la rue. La colère gronde, mais éclatera-t-elle entièrement? Pour la première fois, je ne me suis pas arrêtée au Centre Pompidou, mais lui ai préféré le Musée d’art moderne, que je ne connaissais pas: un très beau doublé Sonia Delauney/David Altmejd (l’expo sera l'année prochaine au MAC et vaut certainement le détour). J’ai aussi vu deux spectacles: La petite fille aux allumettes d’Andersen au Studio-Théâtre de la Comédie-Française et surtout la comédie musicale tirée du film mythique An American in Paris au Châtelet… absolument sensationnel! J’ai découvert de nouveaux quartiers, des lieux dont j’ignorais l’existence, bu des chocolats et des thés un peu partout dans la ville, fait un crochet jusqu’à Billancourt pour un stage de danse. 

Parc Monceau (photo: Lucie Renaud)

(Photo: Lucie Renaud)

Le cavalier bleu (Photo: Lucie Renaud)

Vue de la terrasse du Châtelet (Photo: Lucie Renaud)

J’aime assurément les vieux pays, mais reste convaincue que je préfère nettement l’hiver blanc et froid québécois à celui gris et humide de l’Europe.

La petite fille aux allumettes: magie noire

Par leur nature même, les contes restent intemporels, qu’ils nous soient parvenus par voie orale ou écrite. Ils se prêtent donc fort bien aux relectures, certaines plus pertinentes que d’autres. La petite fille aux allumettes, spectacle présenté ces jours-ci au Studio-Théâtre de la Comédie-Française, le conte d'Andersen est ainsi transposée en 2014.

L’héroïne devient SDF suite au décès de sa mère dans un accident d’auto et à la perte de contact avec la réalité – certes abominable – du père qui transforme sa douleur en violence, tant verbale que physique. Veille en arrière-plan – ou s’immisce selon les moments – la grand-mère, narratrice du conte et mort tentatrice à la fois.

Olivier Meyrou vient du monde du documentaire; on lui doit notamment Bye Bye Apartheid et Acrobate, autour de Fabrice Champion, soutien visuel partiel au spectacle mis en scène par Stéphane Ricordel, présenté à Montréal Complètement Cirque en 2014. Il choisit ici de traiter le propos comme il aurait braqué sa caméra, parfois de façon un peu trop appuyée.

Pour lire le reste de ma critique de ce spectacle vu à Paris, passez chez Jeu...

Franchir la mare

Je prends l'avion pour l'Europe demain soir et ai l'impression de courir un marathon... Au programme: cinq jours à Bruxelles et cinq à Paris. Je ferai le plein de visite de musées (dont celui des instruments de musique bien sûr!), de concerts (musique contemporaine, classique, la comédie musicale An American in Paris au Châtelet) et de théâtre, alors que je mettrai les pieds pour la première fois à la Comédie-Française, pour voir l'adaptation d'Olivier Meyrou (qui avait collaboré au spectacle Acrobates présenté au Festival Montréal Complètement Cirque l'été dernier) de La petite fille aux allumettes d'Andersen, un auteur que j'aime énormément. Et puis, il y aura tous ces amis que je croiserai dans l'une ou l'autre de ces capitales...

Je pars avec tout au plus deux ou trois livres dans mes valises (hormis mes guides et cartes), histoire de pouvoir en rapporter d'autres. À bientôt!

 

Avant la retraite: suffocant

« Ce qu'on ne peut perdre, c'est le souvenir. » Avant la retraite, texte massue de Thomas Bernhard est présenté ces jours-ci au Théâtre Prospero. Une histoire d'horreur ordinaire, dans laquelle on découvre un frère et deux sœurs qui, comme tous les 7 octobre, s'apprêtent à célébrer l'anniversaire d'Himmler.

Le texte a eu l'effet d'une bombe lors de sa création en 1979 et l'on comprend aisément pourquoi. Profondément politique, il jette un regard sans concessions sur la montée - ou le maintien diront certains - du national-socialisme en Autriche. Ici, la culture ne sauve de rien, comme en témoigne le piano à queue déglingué au cœur de la scénographie de Geneviève Lizotte ou les remontrances de Vera à sa sœur invalide qui l'« empêche » d'aller au concert et au théâtre (ou plutôt d'y être vue). « Chacun son costume, chacun son rôle » et la vie pourra continuer, un jour de plus, une année encore, même si elle est synonyme de subversion et de haine la plus létale.

Égaux à eux-mêmes, Gabriel Arcand, Violette Chauveau et Marie-France Lambert tirent adroitement leur épingle du jeu et réussissent à ne pas se perdre dans les méandres parfois sinueux du texte. Histoire de faciliter une meilleure réception du propos, certaines coupes supplémentaires auraient sans doute dû être envisagées par la metteure en scène Catherine Vidal dont la relecture du Grand cahier (un autre texte parfois à la limite du supportable) m'avait pourtant envoûtée. Peut-être a-t-elle sciemment choisi de nous servir l'horreur jusqu'à ce que celle-ci nous étouffe.

Jusqu'au 13 décembre au Prospero.

Opus: oeuvre maîtresse

On m’avait vanté la proposition de la troupe australienne Circa et du Quatuor Debussy, articulée autour de trois quatuors de Chostakovitch. Je m’attendais à être séduite, mais pas à ce point, car en effet, dans Opus, tout s’articule parfaitement.

Contrairement à la plupart des spectacles de cirque, la musique ne fait pas que soutenir les prouesses. Elle les inspire; mieux, elle les justifie. Absolument rien de gratuit ici : chaque geste naît de la musique de Chostakovitch, de son univers, de l’ère soviétique au cours de laquelle il a cherché à s’émanciper des diktats, à transformer des musiques patriotiques en critiques grinçantes de la société, à décrier la guerre, à pleurer les purges. Autant d’émotions brutes qu’il confie de façon intime dans ses quatuors, moins scrutés par Staline et ses sbires que sa musique symphonique.

D’entrée de jeu, la chute dramatique du numéro de sangles nous invite à plonger dans cette musique exigeante, à laisser la force des images nous envahir. Impossible de contempler les pyramides humaines sans penser aux structures érigées, les numéros dans lesquels les acrobates se propulsent dans de multiples directions les mains dans le dos au peuple soviétique qui, les mains liées par la doctrine aussi bien que par les rafles, continue d’avancer, d’être déporté – image forte que ces corps roulant sur eux-mêmes pour servir de rails –, de compter ses morts (moment bouleversant quand un des interprètes récupère trois corps tombés au combat).

Photo: Justin Nicholas

Adroitement, quand le public atteint peut-être un certain point de saturation, le ton change, la chorégraphie devient plus ludique, athlétique. L’étincelle de vie plus forte que l’impulsion de mort, toujours… Traitant le spectacle comme une grande œuvre musicale, Yaron Lifschitz intègre des rappels, réexposition de motifs visuels qui se superposent à une nouvelle partition. On retrouve le trapèze (le premier trapéziste servant d’ailleurs de soutien à la seconde), les cerceaux, les cascades, les pyramides… On reconnaît la signature musicale – ici également visuelle – de Chostakovitch, son DSCH. Une façon de rappeler qu’Opus est un tout, une seule et même œuvre, une seule et même parole au fond.

Les membres du Quatuor Debussy livrent une interprétation absolument saisissante des quatuors – qui donne envie de se plonger dans leur intégrale en six disques –, interagissent avec les acrobates, qu’ils offrent leur chant déchirant à une trapéziste ou soient forcés de jouer les yeux bandés. Rarement pourra-t-on voir un spectacle aussi cohérent, aussi réfléchi jusque dans ces moindres gestes.

À voir absolument d’ici au 26 novembre à la TOHU! 

Bianco su bianco: l'éther des souvenirs

Il y a déjà vingt ans de cela, Daniele Finzi Pasca nous avait séduits avec Icaro, théâtre de l’intime pour un spectateur privilégié qui devient complice de cette fable inclassable sur l’amitié et la maladie.

On a retrouvé cette touche magique, cette volonté de pratiquer le « théâtre de la caresse », ce parti-pris de jeter un regard sur les choses à partir des coulisses, dans les productions signées pour le Cirque Éloize (tout particulièrement Rain et La nebbia), le Cirque du Soleil ou son projet Donka; une lettre à Tchekhov. 

Avec Bianco su bianco, Finzi Pasca souhaitait revenir aux origines, à la plus simple expression. Il s’inspire une fois encore d’instants volés pour tisser un canevas lâche sur lequel il dessine à traits légers, en blanc : celui de la neige, de la forêt d’ampoules (détournement de celle qui illuminait la cérémonie de clôture des Jeux de Sotchi), des hôpitaux, de l’absence, des souvenirs qui nous fuient dès qu’on les conjure. Le blanc des clowns aussi, qui peuvent se permettre d’aborder, l’air de ne pas y toucher, la violence, la maladie, la mort, mais surtout le doute. Doit-on se méfier de la gentillesse des gens quand on porte sur le corps la marque des blessures intentées? Peut-on s’ouvrir à l’amour? Est-il encore possible de vivre sa vie sans se faire broyer par la soif de pouvoir des autres?

Pour lire le reste de ma critique...

L'éveil: tableaux d'une émancipation

L’éveil du corps, de la conscience, du désir, des rêves, d’un certain sens de la communauté… L’éveil, collaboration du Fils d’Adrien danse et Les enfants terribles, ratisse large et ne fait pas nécessairement mouche à tout coup. Juxtaposant danse (une chorégraphie d’Harold Rhéaume), textes (Steve Gagnon et Marie-Josée Bastien) et projections vidéo, le spectacle suggère plutôt qu’il exprime, à travers une série de chapitres qui fractionnent le propos et freinent de temps à autre la fluidité de l’ensemble.

On a sans doute souhaité ici tenir compte la capacité de rétention parfois volatile des adolescents dans cette adaptation très libre de L’éveil du printemps de Wedekind, qui traite essentiellement de la difficulté de laisser derrière soi son enfance. La scène où le jeune homme part s’installer en appartement et réalise en descendant de la voiture que, lui aussi, s’ennuiera de sa mère, reste un moment fort du spectacle, mais il risque d’interpeller plus directement l’adulte qui a déjà fait le deuil de sa jeunesse – peut-être lui-même parent – que le public cible (qui n’avait pu s’empêcher de ricaner, siffler et commenter à voix haute quand un baiser a été échangé sur scène quelques instants auparavant).

Pour lire le reste de ma critique, passez chez Jeu...

Présenté dans le cadre du Festival Coups de théâtre. Programmation ici...

Continuer d'y croire

À quelques jours de l’ouverture de la 37^e édition du Salon du livre de Montréal (qui se tiendra du 19 au 24 novembre), difficile de se réjouir. Oui, bien sûr, des centaines d’auteurs sont attendus, désireux d’établir un contact direct avec leurs lecteurs. Les gros noms y côtoieront nombre de primoromanciers, dont notre Recrue ce mois-ci, François Racine, auteur de Truculence, qui sera en séance de signatures jeudi le 19 en soirée et samedi le 22 en fin d’après-midi. Mais il y aura un grand absent, La courte échelle, le populaire éditeur jeunesse (qui ne néglige pas pour autant la littérature pour adultes), qui a dû récemment se mettre sous la loi de la protection de la faillite.

Au moment d’écrire ces lignes, on ne sait toujours pas si un acheteur sérieux pourra sauver la mise. Malgré les remous suscités, les prises de position tranchées, nombre de livres restent prisonniers sous scellés et, bien sûr, les auteurs ne sont pas payés, la Loi fédérale sur la faillite et l’insolvabilité ayant préséance sur la loi provinciale sur le statut professionnel des artistes. Les auteurs risquent donc non seulement de ne pas recevoir leurs cachets, mais – plus grave encore – de perdre le contrôle de leurs œuvres, les droits pouvant passer aux mains des racheteurs potentiels. « Le développement culturel du Québec n’a pas à subir de telles dérives juridiques, notre indépendance politique et culturelle est la seule façon d’en assurer durablement la pérennité », soulignait par voie de communiqué Mario Beaulieu, chef du Bloc québécois.

Malgré la grogne, il faut continuer de croire en la vitalité de la littérature québécoise et en son indiscutable nécessité. C’est avec plaisir que nous retrouvons deux anciennes Recrues, Stéphanie Pelletier qui, après un recueil de nouvelles primé nous propose son premier roman Dagaz, ainsi que Anna Raymonde Gazaille qui nous revient avec Déni, une nouvelle aventure du sympathique inspecteur Paul Morel. Tout comme dans Truculence, la route joue un rôle essentiel dans Go West Gloria de Sarah Rocheville. Le nain de Francine Brunet vous fera plutôt plonger dans un univers baroque avec sa galerie de personnages plus colorés les uns que les autres. Notre duplex d’Éléonore Létourneau établit quant à lui des parallèles avec le monde du cinéma, Barcarolle de Fabrice Amchin (catégorie Hors-Québec) avec la musique.

« La langue française, c’est une question de vie ou de mort, ici, c’est qui nous sommes en tant que peuple. Il faut la défendre toujours, il faut savoir que chaque fois que l’anglais gagne du terrain, c’est un peu de nous qui se perd, savoir que chaque raccourci angléfié, chaque paresse et chaque statut facebookien dans la grosse langue dominante de l’Autre omniprésent (pour vouloir faire universel, bien de son temps, pour rejoindre le plus grand nombre, etcétéra), chaque Oh my God! lancé (plus capable de l’entendre, cel’-là), chaque incapacité à dire notre réel dans notre langue à nous, c’est une abdication, c’est une défaite. […] Bref, il faut résister. Pas le choix », nous rappelle François Racine dans ses réponses à notre questionnaire. À bon entendeur, salut!

Vous pouvez lire le numéro courant de La Recrue du mois ici...

Vous pouvez maintenant me suivre sur...

... eh oui, après avoir été narguée des centaines de fois au fil des ans, j'ai enfin accepté d'offrir une page FB à Clavier bien tempéré... J'y déposerai le matériel du blogue, mais aussi partagerai articles intéressants, événements culturels, coups de cœur - et peut-être de gueule qui sait... Certaines entrées seront publiques, d'autres réservées aux amis.

C'est par ici...

Hamlet as told by The Tiger Lilies: une relecture brillante

Hamlet occupe une place à part pour moi dans le corpus shakespearien. Oui, bien sûr, Roméo et Juliette déborde de vers que l'on aime se remettre en bouche, La tempête reste une merveilleuse mise en abyme du théâtre... La liste est longue certes, mais au milieu de ces bijoux que l'on se plaît à voir traduits, adaptés, montés de façon parfois extravagante, Hamlet fonctionne presque à tout coup, à condition d'avoir un acteur magnétique dans le rôle-titre (on se souviendra de Benoit McGinnis au TNM récemment) et une Ophélie aérienne, qui peut idéalement plonger dans des profondeurs insoupçonnées pendant la scène de la folie. 

Le metteur en scène Martin Tulinius du Théâtre République (qui nous vient de Copenhague) dispose assurément d'un Hamlet de rêve avec Caspar Phillipson, plus grand que nature quand drapé dans sa folie, mais réussissant néanmoins à établir un rapport d'une rare intimité avec le public, notamment dans l'extrait du célèbre monologue « To be or not to be ». (Le choix d'allumer les lumières dans la salle à ce moment précis, assez audacieuse, fonctionne d'ailleurs à merveille.) L'Ophélie de Nanna Trouver Koppel relève quant à elle d'une esthétique très nouveau cirque, qu'elle devienne fildefériste sur son lit, dorme enlacée à Hamlet en apesanteur ou marche sur les flots avant d'y sombrer. Les autres personnages (résumés ici à Gertrude, Claudius, Laërte et Polonius) n'auraient pas déparé quant à eux une production déjantée de L'opéra de quatre sous de Brecht, tout comme la musique de Martyn Jaque, tributaire de Kurt Weill, avec quelques accents klezmer, 

Entouré de ses deux impassibles comparses des Tiger Lilies (Adrian Stout aux cordes et à la scie, Mike Pickering aux percussions), Jaque et sa voix si particulière de falsetto deviennent maîtres du jeu, ultimes manipulateurs de l'action, commentant plutôt qu'annonçant l'action, permettant au spectateur de se concentrer alors sur les visuels souvent très puissants contenus dans cette vision plus onirique que franchement noire de la pièce de Shakespeare.

Les puristes espérant réentendre certaines tirades seront peut-être déçus. Pourtant, la relecture de Martin Tulinius reprend tous les moments charnières de la pièce, suggère plutôt qu'elle n'impose, malgré quelques images fracassantes, alors que la scénographie s'effondre littéralement - au ralenti - sur les protagonistes ou que la pièce dans la pièce devienne immense théâtre de marionnettes, soulignant à gros traits l'impossibilité pour les protagonistes d'échapper à leur destin.

À voir impérativement (si votre maîtrise de l'anglais est suffisante), d'ici au 18 novembre à la Cinquième Salle.
Énorme coup de cœur pour la pièce Release me, qui accompagne les derniers instants d'Ophélie, que l'on peut entendre ici.

Vollmond

Un énorme merci à Danse danse qui a convaincu le Tanztheater Wuppertal Pina Bausch de faire un détour par Montréal (après 30 ans d'absence!) avec son spectacle Vollmond, dans lequel l'eau joue un rôle essentiel, mais aussi les liens souvent troubles qui unissent hommes et femmes. 

Impossible pour vous de vous glisser en salle (j'ai acheté mon billet il y a presque un an!), mais voici tout de même un large extrait du spectacle (dont plusieurs extraits ont été intégrés dans le magique Pina de Wim Wenders).


Pina Bausch - Vollmond par MickeyKuyo

Génération: 20 ans déjà

Le temps passe sans que l'on s'en rende compte! Difficile de croire que Génération, projet de l'ECM+ soutenant les jeunes compositeurs canadiens, fête cette année son 20e anniversaire! Une grande tournée canadienne est prévue et s'arrêtera dans neuf villes canadiennes dont Montréal demain soir, 19 h 30 à la Salle de concert du Conservatoire de musique de Montréal. 

On pourra y entendre des créations de Marie-Pierre Brasset, Alec Hall, Evelin Ramon et Anthony Tan. À l'occasion de cette tournée, l’ECM+ lancera officiellement le disque Magister Ludi du compositeur canadien Gordon Fitzell, qui fut de la première tournée Génération en 2000 et le livre Génération, 20 ans (1994-2014).

On peut découvrir les compositeurs à travers quatre capsules vidéo ici...

Composition Machine

Cinq pièces, trois compositeurs aux esthétiques différentes, une soirée consacrée à la percussion et à une « musique machinale » selon le texte de présentation. La répétition des rythmes utilisés pourrait en effet suggérer une certaine mécanisation, une déshumanisation. Il n'en était pourtant hier soir dans l'interprétation forte, toujours parfaitement calibrée, qu'en a donnée Sandra Joseph, pigiste ayant notamment fait partie du réputé ensemble Sixtrum, hier soir au Centre Segal.

Le programme paraissait exigeant sur papier: deux pièces d'Erik Griswold, deux de Mark Applebaum et un classique du compositeur sud-africain Kevin Volans, She Who Sleeps with a Small Blanket (datant de 1985), un sommet de virtuosité. Présenté adroitement, grâce à une répartition des instruments dans l'espace et un travail soigné d'éclairage, le tout se lisait comme une pièce en cinq tableaux, aux esthétiques complémentaires, offrant aux spectateurs un panorama attrayant de cette famille d'instruments aux possibilités presque infinies. 

Le programme s'ouvrait sur Switch (1991) de Griswold, un tour de force pour l'interprète qui doit maîtriser de multiples variantes de trois contre quatre à une vitesse plus qu'audacieuse sur trois instruments. Spill (2007) du même compositeur nous plonge plutôt dans la contemplation, alors que 20 kg de grains de riz sont déversés dans un entonnoir de métal, différents objets (laissés au gré du musicien) permettant d'obtenir des sonorités différentes, presque chamaniques par moments. Sandra Joseph a ainsi utilisé plats de céramique et de métal, mais aussi certains instruments de percussion, offrant des textures inusitées, mais aussi une mise en abyme plutôt réussie. 

Aphasia de Mark Applebaum reste le moment fort de la soirée. Conçue pour un « chanteur » qui ne produira au final aucun son, la pièce souhaite évoquer la paralysie qui nous saisit quand nous cherchons à nous exprimer. L'interprète s'assoit sur une chaise et doit reproduire une série de gestes de tous les jours chorégraphiés (ouvrir une porte, parler au téléphone, démarrer la voiture, etc.) qui se superposent sur une trame sonore composée de centaines d'échantillons vocaux transformés en une étrange langue des signes inventée. L'interprète doit donc mémoriser chaque petit geste de cette partition de neuf minutes et ensuite travailler les enchaînements à la seconde (parfois moins) près. Joseph a donné une interprétation impeccable ici, avec une aisance que plusieurs danseurs et acteurs lui auraient enviée (même le compositeur), ses mains se révélant d'une expressivité remarquable.

Composition Machine # 1 d'Applebaum a été créé en Oregon par Terry Longshore il y a moins de deux semaines. Co-commande de 62 percussionnistes, la pièce joue sur les codes du genre. Côté jardin, une partition dessinée prend d'abord vie selon des codes établis par l'interprète lui-même, avant d'être froissée et de retrouver une série d'objets sur une table couverte de papier au centre de la scène. Ceux-ci seront déplacés selon une série de formules rythmiques données, avant que l'interprète ne dessine la silhouette des objets puis joue la nouvelle « partition » côté cour, puis la roule proprement avant de la remettre sur le premier lutrin, créant l'illusion d'une pièce qui pourrait être reprise en boucle. Un clin d’œil amusant au geste de création lui-même.

Dédiée exclusivement aux tambours, She Who Sleeps with a Small Blanket se termine toutefois sur une coda au marimba, proposée ici en enregistrement, ce qui permet à Sandra Joseph de se fondre dans le noir tout en restant encore quelques instants présente, autre utilisation efficace de la dramaturgie. 

Il ne reste qu'à espérer que le programme qui plaira autant aux aficionados de musique contemporaine qu'aux néophytes soit présenté de nouveau dans un avenir rapproché, peut-être dans le circuit des Maisons de la culture. Ces cinquante quelque minutes m'ont paru passer à vitesse grand V.

On peut en apprendre plus et entendre les cinq pièces du concert (par d'autres interprètes) en suivant les liens suivants.

Switch

Spill

Aphasia

She who Sleeps with a Small Blanket

Un Barbier décoiffant

Bien sûr, Le barbier de Séville de Rossini reste l'un des opéras les plus aimés du répertoire: airs accrocheurs, trame narrative toute en légèreté (ici, les intrigues règnent en maître et tout est bien qui finit bien) et personnage principal des plus attachants. Après avoir renversé dans le rôle du condamné dans Dead Man Walking au printemps 2013, Étienne Dupuis incarne un Figaro fantasque à souhait, charmeur et charmant, bien décidé à ne pas se laisser damner le pion. Le metteur en scène Oriol Tomas joue fort d'ailleurs habilement la carte de la proximité avec le public, le baryton poussant ses premières notes de la salle, sollicitant même des applaudissements quand il met les pieds sur la scène.

Si un bon Barbier exige une personnalité forte pour incarner Figaro, il doit aussi pouvoir compter sur une distribution d'une belle polyvalence, aussi à l'aise dans le travail de filigrane (les traits de doubles-croches pouvant se révéler difficiles à transmettre avec toute la légèreté souhaité) que dans une certaine physicalité du jeu. Le ténor roumain Bogdan Mihai se révèle irrésistible en Almaviva. Il démontre à la fois sa maîtrise vocale (avec ses aigus jamais métalliques et une facilité déconcertante dans l'ornementation) et ses indéniables dons d'acteur, particulièrement quand il se déguise en professeur de musique et nous fait un numéro de « air clavecin » des plus mémorables. Carlo Lepore en Bartolo et Paolo Pecchioli font eux aussi des débuts montréalais convaincants. La mezzo-soprano espagnole Carol Garcia campe une Rosina éloquente sur le plan vocal, mais se révèle un peu plus statique que ses comparses sur scène. 

Effervescente, la mise en scène d'Oriol Thomas multiplie les clins d’œil. Têtes à coiffer dotées d'une moustache de Movember (l'Opéra de Montréal s'étant associé au mouvement), salaire que l'on reçoit comme une hostie, assistantes de Figaro qui dansent aussi bien le cancan que le gogo, parapluies qui deviennent accessoires inusitées, air de la calomnie traité comme un véritable « show de boucane », public captif qui s'endort quand il doit écouter de l'opéra (impossible pour ceux dans la salle de ronfler une seule seconde pendant la soirée), fausses chorégraphies de flamenco, tout est calculé au quart de tour. Des costumes bien pensés de Robert Prévost revus par Joyce Gauthier  (qui font tous référence sauf celui de Rosina à la traditionnelle enseigne du barbier) et une scénographie astucieuse (la maison se dépliant ou se refermant au fil des scènes, grâce aux « assistantes » du Barbier), elle aussi de Robert Prévost (revue par Guy Neveu) complètent ce tableau réjouissant.

Il reste encore quelques places pour les représentations des 11, 13, 15 et de la supplémentaire du 17. 

Je ne suis jamais en retard: le nouveau visage du féminisme

Sept auteures - certaines dramaturges ou comédiennes, d'autres poètes -, six interprètes, une metteure en scène, une équipe de soutien entièrement constituée de collaboratrices. Aucun doute ici: Je ne suis jamais en retard se veut un objet théâtral aussi bien que social qui se décline au féminin pluriel, qui donne « le sentiment d'avoir dit nous pour la première fois ».

Pas de volonté ici de dégager une parole commune, mais plutôt de proposer une mosaïque d'interprétations, d'interrogations de ce que le fait féminin est devenu en 2014. Si on n'a plus besoin de brûler son soutien-gorge sur la place publique pour se faire entendre, il faut tout de même admettre que rien n'est encore gagné. Parité salariale toujours pas atteinte, plafond de verre en apparence impossible à fracasser, métiers qui restent difficilement accessibles aux femmes: comment souhaiter se reposer sur des acquis quand tant reste à accomplir?

Serions-nous en manque de paroles féminines fortes, de celles qui ébranlent les certitudes? Aucunement. Du moins, si l'on se fie au collage de dialogues et de monologues mis en scène par Markita Boies qui, avec Lise Roy (auteure, interprète et initiatrice du projet) avaient souhaité souligné en 2011 les 25 ans de la mythique Nef des sorcières à la Grande Bibliothèque. Que les auteures aient 30 ou 70 ans importent peu: elles disposent d'un langage commun, dans laquelle la femme peut être militante, mais aussi mère, amante, femme de parole, de conviction. Elle peut être politicienne et défendre le droit des jeunes filles un peu partout dans le monde (« Flamenco » de Lise Roy, dont la chute donne froid dans le dos), religieuse défroquée qui s'interroge sur la montée du fanatisme religieux (« Les vendeurs du paradis » de Nicole Lacelle, aux traits peut-être un peu trop appuyés), femme de ménage qui s'insurge contre les étiquettes qu'on lui appose (« Une femme, quand 'est p'us fourrable; tu fais quoi avec ça? ») et écoute des cantates de Bach (un texte puissant de Marie-Ève Gagnon, particulièrement bien rendu par Danièle Panneton), actrice dans la soixantaine n'ayant rien perdu du mordant de ses vingt ans (Louise Bombardier auteure et interprète qui se moque joyeusement d'elle-même), mère devant faire le deuil d'un enfant (un texte déchirant de Dominick Parenteau-Lebeuf qui aurait peut-être requis une appropriation autre du registre émotif de Noémie Godin-Vigneau), femme qui découvre que l'amour de son « mari » n'est pas exempt de violence (Émilie Gilbert a démontré toute l'étendue de sa palette dans un très beau texte de Marilyn Perreault).

Personne ne criera, on chantera, on dansera même. Toutefois, tout au long, on aura l'impression de percevoir un grondement diffus, le martèlement des talons qui s'impatientent, le feu qui continue de brûler sous la glace, qui finira par faire exploser les digues.

« Il y a des chemins que nous suivons sans savoir où ils nous mèneront. Il y a des hommes que nous suivons sans savoir où ils nous mèneront. Les mères, grands-mères, tantes et grandes sœurs disent un jour aux petites filles: "Fais attention aux Johnny, aux pirates et aux mauvais garçons." Mais les petites filles leur répliquent: "Je suis grande, indépendante, le féminisme a poussé dans mon pays, j'en ai mangé les fruits, je saurai dire non quand le danger se pointera à l'horizon." » (Marilyne Perreault, « Eldoradore-moi », Je ne suis jamais en retard)

Jusqu'au 29 novembre au Théâtre d'Aujourd'hui. 

Oh Lord: réjouissant

La production éponyme de Projet Bocal avait beaucoup fait jaser en mars 2013 et les attentes se voulaient relativement élevées pour ce deuxième spectacle visant une réappropriation inusitée du terroir.

Beaucoup de tons de terre déjà dans un décor kitsch à souhait dans lequel se côtoient murs ajourés, pelisses, troncs d’arbre devenant sièges et panaches assemblés en lustre. Beaucoup moins dans les costumes, tantôt extravagants (chapeau à Elen Ewing qui signe aussi le décor et accessoires pour ces têtes de Kenora, Antoine et de la Femme-roche), tantôt franchement country, mais surtout les textes, mordants et incisifs.

À travers une série de saynètes ciselées et de chansons interprétées avec brio, Sonia Cordeau, Simon Lacroix, Raphaëlle Lalande et leur complice musical Yves Morin racontent, déforment, multiplient les clins d’œil.

Pour lire le reste de ma critique, passez chez Jeu...

Vis-à-vis

J'avais beaucoup aimé son travail sur les appartements de New York il y a quelques années, revoici Gail Albert Halaban à Paris cette fois... Ses photos n'optent pas pour un voyeurisme gratuit, mais démontrent plutôt une grande tendresse pour ses sujets, ses semblables.


Gail Albert Halaban - VIS A VIS from Boaz Halaban on Vimeo.

Cuisine et confessions: à la fortune du pot

La cuisine : pôle d’attraction de toute maison, lieu des rassemblements, des confidences. Pour sa 13^e production, les Sept doigts de la main ont décidé d’y élire domicile, mais surtout de convier le public à la fête, de façon directe dans certains cas.

En effet, alors que spectateurs s’assoient, les neuf acrobates entrent en contact avec eux, parlent un peu de leur parcours, attrapent quelques bribes de vie, qui seront partagées au microphone.

Pendant la représentation elle-même, une chanceuse deviendra flamme d’un soir et pourra goûter l’omelette parfaite constituée d’œufs, d’oignons, de poivrons… et d’amour. La recette était assurément au point vendredi, Stéphanie se prêtant au jeu avec un naturel confondant. Un peu plus tard, le soufflé retombera un peu mollement alors que trois inconnus convoqués sur scène auront bien du mal à briser la glace autour d’une coupelle d’olives. Côté disparition du quatrième mur, le déambulatoire proposé en prélude d’Intersection en juillet aura selon moi mieux fonctionné, tout comme la tension de l’arc narratif, un peu en dents de scie.

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iTMOi: à la source du Sacre

Pièce mythique, Le Sacre du printemps continue d'inspirer les chorégraphes depuis sa création il y a un peu plus de 100 ans. Plutôt que de nous proposer une énième relecture, Akram Khan ne garde que l'essentiel du ballet de Stravinski: l'idée du sacrifice, l'éternel féminin et la pulsion de la mort. iTMOi (In The Mind of Igor) s'attarde plutôt au processus créatif ayant mené à la naissance du Sacre. Après tout, on sait déjà que Stravinski avait rêvé cette pièce qui allait faire basculer irrévocablement la musique classique dans une nouvelle ère. N'écrit-il pas dans Chroniques de ma vie:  « En finissant à Saint-Pétersbourg les dernières pages de L’Oiseau de feu, j’entrevis un jour, de façon absolument inattendue, car mon esprit était alors occupé par des choses tout à fait différentes, j’entrevis dans mon imagination le spectacle d’un grand rite païen : les vieux sages, assis en cercle et observant la danse à la mort d’une jeune fille, qu’ils sacrifient pour leur rendre propice le dieu du printemps »?

La partition de Stravinski n'est plus ici que suggérée: par le rythme des voix, par les pas des danseurs qui ici et là reprennent la séquence asymétrique qui sert de sceau au ballet, séquence que l'on retrouve aussi quand la trame sonore devient extrêmement minimaliste, évoquant un disque qui « saute ». Ceux qui connaissent le Sacre de l'intérieur, l'ont laissé vivre en eux pendant un certain nombre d'années, retrouveront ces repères, intégrés à la trame sonore par Nitin Sawhney, Jocelyn Pook et Ben Frost. Quand, enfin, le thème du basson du début s'élève, on ressent une impression de catharsis, d'avoir compris parfaitement la période d'incubation, la nécessité d'aborder un tel sujet, aussi pertinent en 2014 qu'en 1913.

En misant sur une scénographie épurée, des magnifiques costumes aux couleurs tranchées de Kimie Nakano, des éclairages particulièrement soignés de Fabiana Piccioli, la production plonge le spectateur d'entrée de jeu dans un univers onirique, qui permet la multiplicité des lectures. Si on reconnaît aisément le personnage de la jeune vierge fragile, tout de blanc vêtue, une créature cornue qui évoque autant l'univers de Stravinski que le faune du ballet de Debussy, le célébrant vêtu de noir (le chorégraphe lui-même), on peut décliner selon son envie l'identité réelle de cette reine intransigeante en crinoline blanche (l'inspiration peut-être?), du jeune homme souhaitant sauver la vierge et de ce fascinant derviche tourneur dont la jupe devient corolle, les pieds tiges, mains.

On reconnaîtra aisément la signature d'Akram Khan et son intégration du kathak, danse indienne aux figures complexes, mais aussi quelques clins d’œil au hip-hop et à la chorégraphie inoubliable de Pina Bausch, en un tout toujours parfaitement calibré, le mouvement ne perdant jamais de sa grâce et de sa pureté, même dans les moments plus violents. Un spectacle qui séduira sans réserve amateurs aussi bien que néophytes.

Vous pouvez encore vous glisser en salle ce soir et demain. N'hésitez pas!

Molinari branché dimanche

La musique de chambre vous semble dépassée? Le Quatuor Molinari vous convaincra du contraire dimanche 2 novembre 15 h, salle Tanna Schulich de l'Université McGill, alors qu'il est l'invité de la SMCQ dans un concert mettant en lumière trois œuvres comportant un traitement digital direct.

Le compositeur canadien Laurie Radford sera aux commandes de l'ordinateur pour une reprise de son oeuvre Twenty Windows écrite pour le Molinari en 2008, sélectionnée aux prix Opus en 2008 comme création de l'année. La compositrice s’est inspirée de vingt fenêtres faisant face à la sienne pour composer une métaphore musicale. On pourra aussi entendre la première d'Aux premières lueurs, Hommage à Fernand Leduc du compositeur québécois Yannick Plamondon et le Quatrième quatuor de Jonathan Harvey.

Un entretien avec Yannick Plamondon, John Rea et Walter Boudreau est également au programme à 14 h 15. Tous les détails ici...

Joyeuse Halloween

Un son et lumière unique, en provenance de Napierville, en Illinois.

Chaîne de montage: cri du cœur

Photo : Yanick MacDonald

On connaît bien Suzanne Lebeau pour ses textes jeunesse, maintes fois primés, mais pour la première fois elle a senti la nécessité d'aborder le théâtre pour adultes. Pas pour relever un défi, mais bien parce qu'elle ne pouvait plus contenir cette histoire abominable et vraie, dans laquelle des centaines de femmes de la ville frontalière de Juárez disparaissent, violées, assassinées (400 en 10 ans!). Un fait divers comme des dizaines d'autres, peut-être, sauf que ces femmes travaillent dans des maquiladoras, ces usines d'assemblage qui roulent 24 heures sur 24, propriétés des grandes multinationales... celles-là qui vendent leur produit chez les riches du Nord, alors que les femmes font 6 dollars par semaine pour des journées de 10, 12, 14 heures. Peut-on encore jeter un regard neutre sur certains produits hecho en Mexico qui font partie de notre quotidien?  « Le Sud est condamné à être dévoré. » Affirmation en rien de gratuite, difficile constat.

Texte nécessaire, donc. Pour l'auteure, d'abord, qui ne pouvait pas ne pas raconter cette histoire scabreuse et qui l'a transformée en monologue dans lequel une femme seule raconte: le quotidien de ces femmes, les inégalités sociales qui scindent la ville, la violence gratuite que l'on tait, les enquêtes qui ne mènent nulle part. Avec maîtrise et retenue, Linda Laplante donne une voix à ces femmes qui n'en ont plus, qui n'en ont au fond jamais eu, symbolisées par deux douzaines de paires de chaussures à l'avant-scène. En cours de narration, la voix intérieure du personnage prend le dessus, s'offusque, se questionne, se révolte, fera voler en éclats décor aussi bien qu'illusions, moment fort de ce texte aux aspérités évidentes, pourtant traité de façon presque délicate - peut-être parfois trop. Ici, les adjectifs et les énumérations se groupent souvent par trois, insufflent au texte un rythme implacable. Celui de la marche vers la mort pour les victimes, vers le refus d'accepter une seconde de plus l'intolérable pour nous.

« Qui est coupable? Qui est responsable? » La question hante, déstabilise. « Demain, tu n'y penseras plus. » Impossible maintenant de détourner le regard, de ne pas chercher à en savoir plus. (On peut par exemple visionner le webdocumentaire La cité des mortes ici...) Mission accomplie donc pour ce travail de mémoire, ce devoir de divulgation, ce cri venant des profondeurs.

Jusqu'au 21 novembre au Théâtre de Quat' Sous.

Le cœur animal: faire fi des tabous

Thomas et Laura s'aiment. « J'ai ouvert la porte d'elle. »  
D'un amour incommensurable.  « L'important, c'est la fossette qui se creuse dans sa joue gauche quand elle sourit. » 
Avec une passion digne des plus grandes tragédies. « Fais juste rester dans moi tout le temps. »
Ils sont complices. « De toute façon, il comprend toujours tout. » 
Ils ne peuvent vivre l'un sans l'autre. « Elle est dans chacun de mes mouvements. » 
Indissociables, car frère et sœur. 

Photo: Marc-André Goulet

Avec ce texte, poétique sans jamais devenir surchargé, s'inscrivant tout naturellement dans une oralité contemporaine qui refuse toutefois de simplifier à outrance le vocabulaire, Nadia Essadiqi frappe fort, en osant aller au-delà du tabou de l'inceste. Elle refuse tout sensationnalisme pour se pencher sur la source même de cet amour que la société conçoit comme interdit, mais qui alimente ces deux adolescents en apparence comme tant d'autres. Elle le fait tour à tour avec légèreté et intensité, faisant passer le spectateur du rire (difficile de résister ce combat tiré des séries japonaises) à la douleur. Impossible ici de poser un jugement éthique sur la nature du lien qui unit Thomas et Laura. On les suit pas à pas, la respiration bloquée, témoins silencieux, même si l'on se doute que cela ne peut que mal se terminer.

Photo: Marc-André Goulet

L'auteure - qui vient de sortir un premier album en tant que La Bronze - endosse aussi le rôle de Laura, alors que Julien Lemire campe un Thomas des plus convaincants. On aurait peut-être souhaité voir resserré le long monologue de la jeune fille au salon funéraire, qui m'a semblé par moments forcé et qui détruit de façon un peu gratuite l'atmosphère de tendresse - presque d'innocence - qui entourait jusque-là les protagonistes. Cela reste une réserve mineure.

La mise en scène d'Ariane Castellanos privilégie une esthétique volontiers année 1980 (avec références musicales directes, tant à Madonna qu'à la chanson On va s'aimer, traitée de deux façons opposées et pourtant complémentaires), les projections amusantes rappelant l'esthétique des premiers clips vidéos aussi bien que les images kitsch que l'on s'échange volontiers sur Instagram. 
Une histoire intemporelle, comme toutes les grandes histoires d'amour.

Jusqu'au 1er novembre à La Chapelle